domingo, 1 de diciembre de 2013

Un tema (Too many of my Yesterdays, por PH)


Peter Hammill es sin duda uno de los más grandes músicos que ha parido el rock desde sus inicios. Ya sea con su brillante grupo Van der Graaf Generator o a través de su prolífica carrera solista, siempre nos ha brindado su talento, y sus dotes compositivas, interpretativas y vocales.
Sus 35 (y contando) discos solistas y su producción para Van der Graaf (en sus dos etapas: de 1969 a 1978 y una breve del 2005 a la fecha) seguramente darán para otras exquisiteces de este rincón.
Pero en esta ocasión nos referiremos a uno de sus temas: "Too many of my Yesterdays" del album "And Close as this", de 1986, grabado sólo con sus teclados (en especial, el piano) y su voz (otro instrumento, sin duda).
Dice Hammill en la portada del disco: "La música de estas grabaciones consiste en un pase de manos a través del teclado. Hay un piano solo en dos canciones. El resto son interpretaciones que fueron inicialmente tocadas en secuencia de computadora en su totalidad. Luego fueron utilizadas para controlar una variedad de fuentes de sonido. Las canciones , a pesar de a pesar de haber sido compuestas en muchas partes diferentes, todavía son interpretadas por un solo par de manos".
En el tema que nos ocupa, y que abre el disco, PH nos atrapa con su voz melancólica, dramática y angustiante, magistralmente acompañada por el piano. La letra que se transcribe a continuación cuenta de las penurias de un amor que se ha acabado.
El stickista (que toca el stick) argentina Gustavo Cides (del que ya nos ocuparemos en alguna oportunidad) le realizó a Hammill un interesante entrevista para la página Stick Center. Allí le pregunta respecto al dramatismo al momento de cantar sus letras: "
Cuando la letras están escritas, tienen que tener un cierto sentido. Pero adquieren su realidad y su peso en el momento de ser cantadas. Muchas veces el contenido de las letras va acompañando del sentido de la cancion. Pero otras veces, la cancion ya tiene impreso un sentimiento nostálgico, como es el caso de la "milonga" argentina. Esto es algo que se consigue en muy pocos estilos. No me siento un gran intelectual pero a raiz de todo lo que he hecho, por lo menos tengo un punto de vista que expreso a traves de mis canciones y es : "a veces en la vida, las cosas son así." Y esto a veces coincide con otras personas que piensan asi."No más. Sólo PH su letra y su música.

TOO MANY OF MY YESTERDAYS

So many years ago I thought you were the one...
who knows when people change,
surrender into strangeness,
adrift upon their lives, encompassed by the past;
who knows which one becomes the last goodbye?

Don't try to tell me nothing dies.
Don't try to tell me nothing's changed,
don't try to tell me nothing's new,
too many of my yesterdays belong to you.

Tell me about it, talk to me -
I hear it coming, I feel it coming,
the way you want this thing to be.

You're only trading on our memories
don't go and say you still love me.
I shelved my broken heart, I put you from my mind,
I got up from my knees, I picked up all my pieces,
but seeing you again puts shakes into my soul.
Just when I think I'm finally over you,
don't come and show me that's not true.

Oh, tell me about it, have your way;
I see it coming, I hear it coming,
I know what you're about to say.
You've had too many of my yesterdays,
and I don't want to fall again.

You're trading on my memories,
you're trading in a rosy past;
you know I'm lost on stormy seas,
but I still stand before the mast,
beneath the stars and under sail towards horizons out of true....
Behind the dance of seven veils I still see you....

Tell me about it, have your way....
Don't try to tell me nothing's changed,
don't try to tell me nothing's new,
too many of my yesterdays are lost in you.

DEMASIADOS DE MIS AYERES

Muchos años atrás, yo pensaba que eras la única...
¿Quién sabe cuándo cambia la gente, entregada a la extrañeza,
sus vidas a la deriva, cercadas por el pasado;
quién sabe cuál resultará ser el último adiós?
No trates de decirme que nada muere.
No trates de decirme que nada ha cambiado,
no trates de decirme que nada es nuevo,
demasiados de mis ayeres te pertenecen.

Háblame de ello, háblame – lo siento cerca, lo presiento,
la forma que quieres que ésto sea.
No haces más que comerciar con nuestros recuerdos,
no te vayas y me digas que aún me amas.

Dejé de lado mi corazón roto, te saqué de mi mente,
me puse de pie, junté todos mis pedazos,
pero volverte a ver me sacude el alma.
Justo cuando pienso que finalmente te he superado,
no vengas a mostrarme que no es verdad.

Oh, háblame de ello, hazlo a tu manera,
lo veo venir, lo escucho llegar,
sé lo que estás a punto de decir.
Tuviste demasiados de mis ayeres,
y no quiero caer de nuevo.

Estás pisando mis recuerdos,
estás comerciando con un pasado color de rosa,
sabes que estoy perdido en mares tormentosos,
pero sigo parado frente al mástil, bajo las estrellas,
navego hacia horizontes increíbles...
Tras la danza de siete velos, aún te veo...

Oh, háblame de ello, hazlo a tu manera,
lo veo venir, lo escucho llegar,
sé lo que estás a punto de decir.
Tuviste demasiados de mis ayeres,
y no quiero caer de nuevo.
No trates de decirme que nada ha cambiado,
no trates de decirme que nada es nuevo,
demasiados de mis ayeres se perdieron en vos.

And Close as this en Amazon

El tema por P.H. en piano y voz, Udine, Italia, 2009

viernes, 5 de junio de 2009

Un tema (Julia Dream, por Pink Floyd -y por Mostly Autumn-)

A mediados de abril de 1968, a menos de una semana de la partida oficial de Syd, P.F. lanza su cuarto disco simple (pequeños vinilos que venían con dos temas, uno por cara): It Would Be So Nice / Julia Dream.

El lado A, una baladita de Wright, muy Flower Power, muy generación del amor, pero bastante insípida, no alcanzó para que el disco fuera un éxito comercial y ni siquiera entró en la lista de discos más vendidos.

En la cara B Waters muestra cuan influenciado estaba entonces por Syd (o cuanto lo imitaba): "Julia Dream", un cuento de hadas psicodélico donde oscuros personajes ("El armadillo escamoso", "El Señor Neblinoso") se contraponen a "La reina de mis sueños" (la tal Julia). Un ritmo hipnótico, sonidos envolventes y una flauta como instrumento destacado junto a la voz de Waters con mucha cámara de eco, dan forma a una balada tranquila y bella. Rogers canta "Am I Realy Dying?" ("¿Realmente estoy muriendo?") que anticipa en una década al "Mother, Am I Really Dying?" de "Mother" de "The Wall". El tema nunca fue un clásico de los Floyd aunque lo hubiera merecido, al menos por el indeleble toque Barret que Waters supo darle (o no supo evitar darle). El tema aparecería en un disco de larga duración recién en la recopilación "Relics" de 1971.

Cuánto habrá tenido este lanzamiento de artístico y cuanto de intento de exorcismo de la figura del antiguo lider es algo que nunca se va a saber (incluso parece escucharse como un susurro "Sssyd" hacia el final del tema).

Para ilustrar esta entrada sugiero escuchar esta hermosa versión del grupo neo-floydiano Mostly Autumn del año 2004, donde combinan el tema original con ciertos toques celtas y la bella voz de su cantante Heather Findlay.

Julia Dream
Sunlight bright upon my pillow
Lighter than an eiderdown
Will she let the weeping willow
Wind his branches round
Julia dream, dreamboat queen, queen of all my dreams

Every night I turn the light out
Waiting for the velvet bride
Will the scaly armadillo
Find me where I'm hiding
Julia dream, dreamboat queen, queen of all my dreams

Will the misty master break me
Will the key unlock my mind
Will the following footsteps catch me
Am I really dying

Julia dream, dreamboat queen, queen of all my dreams
Julia dream, dreamboat queen, queen of all my dreams
Julia dream, dreamboat queen, queen of all my dreams


Sueño con Julia

Luz del sol brillante sobre mi almohada,
más apacible que un edredón.
¿Permitirá que el sauce llorón
venga a envolverme con sus ramas?
Sueño con Julia,
la reina del Barco de los Sueños,
la reina de todos mis sueños.

Llega la noche y apago la luz
esperando su gentil terciopelo.
¿Conseguirá el armadillo escamoso
encontrarme donde estoy escondido?
Sueño con Julia,
la reina del Barco de los Sueños,
la reina de todos mis sueños.

¿Podrá el Señor Neblinoso quebrarme?
¿La llave desbloquerá mi mente?
¿Me atraparán esos pasos que vienen?
¿Estoy muriendo realmente?
Sueño con Julia,
la reina del Barco de los Sueños,
la reina de todos mis sueños.


martes, 24 de marzo de 2009

Mas progresivo siglo XXI

Icon 3 - Wetton-Downes (2009)

El duo de John Wetton y Geoff Downes (Geoffrey, en rigor) nos entrega un nuevo opus de su obra, luego de "Icon" del 2005 y "Icon II: Rubicon" del 2006, el que ha sido laudatoriamente comentado en este blog. Los músicos han conformado un buen grupo notándose la comodidad que existe entre ellos (Wetton adoptó a Downes, a mi entender).

El álbum, titulado simplemente "Icon 3" ha sido recientemente editado (el día 13 de este mes) por la discográfica italiana Frontiers.

"Icon 3" cuenta con 11 nuevas producciones del duo que nuevamente se hace acompañar por notables músicos. El cellista Hugh McDowell (sobreviviente de "Icon II", que se acopla de maravillas al tándem Wetton-Downes), el notable guitarrista Dave Kilminster y la batería de Pete Riley, quien conforma una impecable base rítmica con Wetton. Al igual que en la obra anterior, la banda se completa con un par de invitados. En este caso, la voz femenina corresponde a Anne-Marie Helder (Karnataka, Mostly Autumn) y sorprende además, la participación del excelente arpista Andreas Vollenweider. Downes tiene una actuación destacada (lo que no siempre quiere decir que sea bueno) y tal como nos tiene acostumbrados Wetton nos ofrece su magistral voz, la que lo ha convertido en uno de los más destacados cantantes del género para mi gusto.

Las canciones tienen un estilo más progresivo que en Rubicon, dando un giro más cercano a un sonido AOR (Adult Oriented Rock) y sin tantas connotaciones celtas como en el disco anterior. De cualquier manera, la resultante es una música de estilo más intimista y melódico que lo que podemos encontrar en Asia, el grupo principal de ambos músicos.

El disco se abre con la marchosa y hitera, pero efectiva, "Twice The Man I Was", quizá lo más cercano al sonido Asia del álbum. Lo mejor, la voz de Wetton que se dobla a sí mismo en los coros.

Luego, la calma "Destiny" muestra cual será el alma de álbum, con orquestaciones por momentos ampulosas de los teclados, eficaces arreglos de cuerdas, coros soberbios y un sonido más intimista. Otra buena actuación de Wetton y de la guitarra de Kilminster.

En "Green Lights And Blue Skies” se eleva un poco el ritmo, con un sonido que por momentos recuerda (a mi por lo menos) a Alan Parsons Project. Se destaca el uso del Vocoder, aparatito que cuando no es usado con buen gusto (no es este el caso) resulta bastante molesto. Linda canción.

A continuación aparece la bella balada "Raven" con otra buena labor de Wetton y el lucimiento de los invitados, el arpa de Wollenweider y la voz de Helder. A Wetton le salen bien los duetos evidentemente. McDowell aporta lo suyo con buenos arreglos de cuerdas. Uno de los puntos sobresalientes del álbum.

Otro muy buen tema resulta ser "My Life Is In Your Hands" con otro muy buen trabajo de McDowell, acompañado por el piano y los teclados de Downes y la majestuosa voz de Wetton conformando entre todos una bella melodía.

Luego, el disco toma un matiz más roquero con la poderosa "Sex, power and money", otra concesión al sonido Asia, con la potente guitarra de Kilminster y un estribillo repetitivo y pegadizo que la torman bien tipo corte para FM. Buen número pero que no me termina de cerrar, quizá porque se aleja del alma del álbum. Quizá en otro contexto...

"Anna's Kiss" es un instrumental de corte clásico con los consabidos teclados de Downes, los arreglos de cuerda y el arpa De Vollenweider. La filosa guitarra rompe el clima luego de la mitad de la canción, antes de volver al toque clásico propio del tema.

"Under The Sky", destaca por magistral labor de Downes acompañada por la voz de Wetton cargada de matices como en sus mejores momentos. Otro punto alto del disco.

En “Don’t Go Out Tonight” y en “Never Thought I’d See You” el duo vira nuevamente hacia la música de su grupo principal. Esta última resulta la más agradable, un linda canción también apta para pasarla por las FM, otro estribillo pegadizo y un sonido bien AOR.

El disco se cierra con la majestuosa “Peace In Our Time”, con sus ampulosos coros, buenas guitarras y arreglos de Downes.

El arte de tapa está basado en el símbolo OM, una sílaba universal no específica a ninguna religión y que significa el todo, como una reflexión a la variada naturaleza musical ofrecida en el álbum (según leí por ahí).

En resumen, un muy buen álbum que no defraudará a los fans de estos músicos ni a los seguidores del género, si bien no llega (a mi entender) a la calidad de su ilustre predecesor.

Listado de temas (Frontiers nos permite escuchar framentos de algunos de ellos):
01. Twice The Man I Was
02. Destiny
03. Green Lights And Blue Skies
04. Raven
05. My Life Is In Your Hands
06. Sex, Power And Money
07. Anna´s Kiss
08. Under The Sky
09. Don´t Go Out Tonight
10. Never Thought I´d See You
11. Peace In Our Time

Músicos:
- John Wetton: Voz, bajo y guitarra
- Geoff Downes: Teclados
- Dave Kilminster: Guitarra
- Hugh McDowell: Cello
- Pete Riley: Batería

Invitados:
- Andreas Vollenweider: arpa en “Raven’” y “Anna’s Kiss’”
- Annie-Marie Helder: voz en "Raven"

En el sitio de Myspace del duo es posible escuchar fragmentos de los mismos temas: http://www.myspace.com/wettondownesicon

Puede escuchar todo el disco desde aquí, gracias al foro Zona Musical.

sábado, 7 de febrero de 2009

Otro experimento exitoso

801 - Live! (1976)

Para 1976, Bryan Ferry decide darle un descanso merecido a su exitoso proyecto de Roxy Music (a la vuelta, ya nada volvería a ser lo mismo). Con tiempo disponible, el excelente guitarrista de los Roxy, Phil Manzanera, decide formar un grupo para pasar el rato. Para ello, convoca a su amigo Brian Eno (también con pasado en R.M., hasta que fue despedido impiadosamente por Ferry) para que se haga cargo de las voces, los teclados y sus cintas de sonidos, y a una sólida banda conformada por Simon Phillips (extensa trayectoria, que incluiría a los Roxy, batería), Francis Monkman (ex-Curved Air, teclados), Bill MacCormick (ex-Matching Mole, bajo y voces) y Lloyd Watson (guitarra slide).

El proyecto fue bautizado con el extraño nombre de "801", tomado del tema de Eno "The True Wheel" ("Taking Tiger Mountain", de 1974) que decía "We are the 801, we are the central shaft" (!). 801 fue un auténtico supergrupo formado muy poco tiempo antes de que explotara la revolución punk. La banda no duró mucho tiempo (sólo dio tres conciertos entre agosto y setiembre de 1976) y luego de este disco editaría otro, de estudio, no tan auspicioso como este que estamos comentando.

"801 Live!" corresponde a una presentación del grupo en el Festival de Readig celebrado en el Queen Elizabeth Hall de Londres, el día 3 de setiembre de 1976. El disco se destaca por la originalidad y la calidad de su sonido. Abre el instrumental, y floydiano, "Lágrima" con un buen trabajo de Manzanera; se continua con un tema que aparece como "T.N.K." en la portada del disco, que no es sino una brillante interpretación de "Tomorrow Never Knows" del álbum Revolver de Los Beatles. Aquí Eno demuestra que también puede ser un buen cantante (como ya hemos comentado en este blog). La versión del tema de Lenon y McCartney, que comienza con una potente entrada de bajo, es brillante y los sintetizadores dan una nota entre espacial y psicodélica. El sonido se vuelve un poco más jazz-rock en "East of Asteroid", que suena con cierto toque krimsoniano. Más adelante, aparecen temas de los discos de canciones de Eno: "Sombre Reptiles" (de "Another Green World", de 1975), una frenética versión de "Baby's on Fire" (de "Here Comes the Warm Jets, de 1974, donde Manzanera toma la ímproba tarea de reemplazar la guitarra de Robert Fripp y sale airoso) y Third Uncle (de "Taking Tiger Mountain"), un cover de los Kinks, el recordado, "You really got me", y temas de discos de Manzanera y de su anterior grupo Quiet Sun, entre ellos "Diamond Head" con otra soberbia actuación de Manzanera.

Por esas cosas de la comercialización y de la publicidad, el disco no tuvo gran suceso de ventas si bien lo merecía ampliamente. De todas maneras, fue reeditado en CD hace unos años con el agregado de un par de temas. Sin embargo, obtuvo excelentes (y merecidos) comentarios de la crítica y es una pieza digna de paladares exquisitos. "801 Live!", como otros discos comentados aquí, parece no envejecer: pese al paso del tiempo sigue sonando actual.

En suma, "801 Live" no sólo es un excelente disco sino también una evidencia de lo que podría haber sido la música de Roxy Music si el narcicismo de Bryan Ferry no hubiera entrado en coalición con el narcicismo de Brian Eno. Seguramente, R.M. habría salido ganando (sin desestimar las dotes del sucesor de Eno, Eddie Jobson), y quizá nos hubiéramos salvado del sonido almibarado, muuuuyyyy Ferry, de los últimos tiempos.

La tapa es muy fea.

La banda
:
Brian Eno - Synthesizer, Guitar, Keyboards, Vocals, Tape
Bill MacCormick - Bass, Vocals
Phil Manzanera - Guitar, Vocals
Francis Monkman - Keyboards, Clavinet, Fender Rhodes
Simon Phillips - Drums, Rhythm Box
Lloyd Watson - Guitar, Vocals, Slide Guitar

Los temas:
1 Lagrima (Manzanera) 2:35
2 T.N.K. (Tomorrow Never Knows) (Lennon, McCartney) 6:15
3 East of Asteroid (Manzanera, MacCormick) 4:58
4 Rongwrong (Hayward) 5:10
5 Sombre Reptiles (Eno) 3:14
6 Baby's on Fire (Eno) 5:03
7 Diamond Head (Manzanera) 6:21
8 Miss Shapiro (Manzanera) 4:21
9 You Really Got Me (Ray Davies) 3:23
10 Third Uncle (Eno) 5:14
Temas agregados:
Golden Hours
Fat Lady of Limburg


(T.N.K. puede escucharse completo, del resto fragmentos desde la propia página de Manzanera)

o

Escuche "801 Live!" gracias al blog Oldandnew

(Manzanera y Eno)

sábado, 1 de noviembre de 2008

Experimento exitoso

Liquid Tension Experiment - I (1999)

Cuenta la leyenda que corría el año 1997 y la grabadora Magna Carta le ofrece al baterista Mike Portnoy, a la sazón integrante de Dream Theater (uno de los números de la discográfica) la posibilidad de crear un supergrupo, de corte progresivo instrumental, a su entero gusto. Portnoy entonces citó al eximio bajista de King Crimson Tony Levin, excelente ejecutante de Stick, al mismo tiempo (escúchese por ejemplo "Paradigm Shift" u Osmosis"), a su amigo el tecladista Jordan Rudess y a su compañero de D.T. el guitarrista John Petrucci. Vale decir, el baterista se tomó en serio lo de "supergrupo" y diseñó una banda que se las traía: Liquid Tension Experiment (LTE).

El 10 de marzo de 1998 se edita el primer opus de la banda, titulado simplemente "I", escrito, ensayado y grabado, según se cuenta, en sólo una semana. Amantes de la música progresiva no podrán menos que deleitarse con este álbum bello, complejo, perfecto y brillantemente ejecutado. El "experimento" muestra una faceta más elaborada que la que venía haciendo D.T. por esos entonces.

Si para botón vasta una muestra, puede escucharse, por ejemplo, el tema que habre el disco "
Paradigm Shift", el que permite a la banda mostrar sus reconocidas dotes de instrumentistas. "Osmosis", en una onda más calma, también es otro de los puntos destacados del disco, al igual que "Freedom of Speech" o la bella "State of Grace" donde Petrucci muestra (una vez más) se inigualable buen gusto con la guitarra. En rigor, como hemos dicho para otros álbumes de este blog, todos los temas merecen ser destacados.

La historia de LTE se continuaría en 1999 con el disco titulado "II" y luego, cuando Rudes se decide a ingresar finalmente a D.T. (donde aún permanece) para la grabación de "
Metropolis Parte 2: Scenes From a Memory", LTE ya no tenía mucha más razón para seguir existiendo con tres de sus integrantes compartiendo la formación de esa otra banda. Una lástima...

Lista de temas:

Paradigm Shift (8:54)
Osmosis (3:26)
Kindred Spirits (6:29)
The Stretch (2:00)
Freedom of Speech (9:19)
Chris and Kevin's Excellent Adventure (2:21)
State of Grace (5:01)
Universal Mind (7:53)
Three Minute Warning (28:31)

Escuche "State of Grace"


"Paradigm Shift" en Youtube


LTE I gracias al blog Rock On!

sábado, 20 de septiembre de 2008

De vuelta al ruedo

Brian Eno - "Another Day on Earth" (2005)

De la obra de Brian Eno como compositor de canciones nos hemos ocupado hace un par de entradas. En esta ocasión habremos de referirnos al último opus de esa obra, aparecido casi 30 años después del anterior. En efecto, luego de "Before and After the Scienc" de 1977 hubo que esperar hasta el año 2005 para que Eno nos deleitara con un nuevo disco de canciones: "Another Day on Earth".

En "Another..." Eno nos ofrece un puñado de bellas canciones matizadas por sus infaltables toques ambient y rebozantes de los nuevos alcances de la tecnología al servicio del sonido. La voz de Eno se suma a la perfección a esa pared de sonidos que nos ofrece su música.

"This" abre el álbum bien arriba, una bella melodia sostenida por los sonidos ambient de Eno, lo que resulta más patente en el segundo tema, "And Then So Clear", tema mas calmo y relajado (bien al estilo de las anteriores canciones) que nos trae la voz de Eno distorsionada sonando por el Vocoder, recurso también usado en "Bottomliners", lo que le da al cantante una voz algo robótica, quizá no demasiado alejada del espíritu del disco.

Luego encontramos canciones más bien suaves, matizadas por los sonidos de Eno y su voz, nunca del todo limpia sino más filtrada por alguno de sus aparatos. En esta onda encontramos, por ejemplo, a "Going Unconscious" y a "Caught Between" (tema minimalista, donde la voz de Eno se escucha como de fondo, y tiene un aire a "By This River" de "Before and After Science" de 1977) .

Del resto se destaca, a mi entender, la bella "How Many Worlds" con un toque más acústico que va virando hacia un despliegue más instrumental clásico (¿sonidos reales, sampleados o sintetizados?, como saberlo...). De ser Eno un músico "radioefemísitico" (neologismo por "músico que hace temas para que se los pasen por FM") este tema sería uno de los cortes del disco (y "This" el otro).

"Just Another Day", que se relaciona con el título del álbum, es otro de los temas bien logrados. "Es sólo otro día en la Tierra..." como dice su letra.

El disco se cierra con la hipnótica "Bone Bomb" con Aylie Cooke recitando versos de varios poetas, cambiando la métrica original de los poemas, todo con un aire muy a lo Laurie Anderson.

Obviamente que el disco está magistralmente grabado y arreglado, como no cabría esperar otra cosa de manos de alguien que revolucionó parte de la música del último cuarto del siglo XX, llevando a lo más alto de su producción a un buen número de bandas. Fue editado por Hannibal Records y apareció el 13 de junio del 2005. La fotografía y el arte de tapa son del propio Eno.

Creo que ese un disco que merece ser escuchado ya que su originalidad impide catalogarlo diciendo algo así como "es parecido a..." o "suena como...".

Escuche "This":


Escuche "Bone Bomb":


Escuche "Going Unconscious":





"Another Day on Earth" en EMule
Brian.Eno.-.[Another.Day.On.Earth].(2005).(EAC.APE].rar
Brian Eno - 2005 - Another day on earth.zip

Lista de canciones (y de invitados):

1 This (3:33)
Guitar - Leo Abraham
2 And Then So Clear (5:49)
Keyboards [Triton] - Jon Hopkins
3 A Long Way Down (2:40)
Guitar - Leo Abrahams , Steve Jones
4 Going Unconscious (4:22)
Loops [Pulse Loop] - Brad Laner
Voice [Spoken] - Inge Zalaliene
5 Caught Between (4:25)
Guitar [Lead] - Leo Abrahams
Lyrics By - Brian Eno, Co-lyricist - Danny Hillis , Eck Ogilvie-Grant
6 Passing Over (4:25)
Guitar [Space Signal Guitar] - Steve Jones
7 How Many Words (4:47)
Lyrics By - Brian Eno, Co-lyricist - Michel Faber
Violin - Nell Catchpole
8 Bottomliner (3:59)
Piano, Synthesizer [Drone], Drums - Peter Schwalm
9 Just Another Day (4:21)
Composed By - Peter Schwalm
Loops - Brian Eno , Peter Schwalm
10 Under (5:19)
Drums - Willie Green
Effects [Occasional Signals] - Dino (8)
Effects [Splutters] - Barry Andrews
11 Bonebomb (3:09)
Voice - Aylie Cooke

jueves, 14 de agosto de 2008

Un tema (Dolcissima Maria, por Premiata Forneria Marconi)

Premiata Forneria Marconi, PFM para los amigos, ha sido y es una excelente banda de rock progresivo no inglés (o italiano, para el caso). En una entrada anterior ya hemos hablado algo de ellos. Su salto a la fama lo dan hacia 1973 cuando graban el disco "Photos of Ghost" bajo el sello Manticore, en Inglaterra. Lo extraño del caso es que el (casi) mismo disco había sido editado en Italia el año antes con el nombre de "Per un amico". La historia dice que PFM llama la atención de Greg Lake en una gira por Italia de ELP (Emerson, Lake and Palmer, por supuesto). Este ayuda a que la banda firme para Manticore y edite "Per un amico" en Inglatera, pero con letras nuevas (no traducciones) escritas por Peter Sinfield, a la sazón letrista oficial de King Crimson. Así sale a la luz "Photos of Ghost".

El próximo álbum italiano de PFM fue "L'isola di niente" de 1974, que también tuvo su correspondiente versión inglesa del mismo año titulada "The World Became the World" (nuevamente con letras de Sinfield).


En verdad, musicalmente fue más lo que PFM perdió con su "mudanza" a Inglaterra, que lo que ganó. Por eso sus álbumes siguientes, ingleses ya, comenzado por "Chocolate Kings" de 1975, no fueron lo que sus ilustres antecesores genuinamente italianos. Por eso también, con el paso del tiempo la banda se "italianisaría" de nuevo y en los recitales sus viejos temas serían los italianos. Pero claro, supongo que la fama mundial (que PFM no conseguiría quedándose en Italia a comienzos de los 70') debe haber sido un buen incentivo.

El bello tema que nos ocupa, "Dolcissima Maria" (se llamaría "Just look away" en inglés), apareció en "L'isola de niente" . La formación de la banda para entonces era la siguiente:

- Franz Di Cioccio: batería, sintetizador Moog, voces.
- Franco Mussida: Guitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra de doce cuerdas, mandolina, voces.
- Mauro Pagani: flauta, violín, voces.
- Patrick Djivas: Bajo, voces.
- Flavio Premoli: Teclados, Melotrón, clave, piano, sintetizador Moog, voces.

Escuche la versión original de "Dolcissima Maria":



Con algunas interrupciones, la banda siguió tocando y en 2002 edita el DVD "Live in Japan" donde encontramos una nueva pero igualmente sentida versión de "Dolcissima Maria" (y no de "Just Look Away", obviamente). Para esta ocasión PFM estaba compuesto por:

- Franz Di Cioccio: voz lider, batería
- Flavio Premoli: teclados, voces
- Franco Mussida: guitarras, voces
- Patrick Djivas: bajo (flauta en el tema)
Invitados:
- Lucio Fabbri: violín, teclados, guitarras
- Pietro Monterisi: batería

Escuche esta versión:



o disfrute el video del tema


Dolcissima Maria
(F.Mussida-F.Premoli-M.Pagani)

Dolcissima Maria
Dolce Maria
dimentica i fiori
dipinti dal tempo
sopra il tuo viso,
e gli anni andati via
seduta ad aspettare
una lunga, lunga via
nessuno da incontrare...
Non voltarti piu

E ii giorno arriverà
vestito di poesia
ti parlerà di sogni
che non ricordavi piú,
e ti benedirà
dolcissima Maria

Dolce Maria
dagli occhi puliti
dagli occhi bagnati
è tempo d'andare:
è presto sentirai
profumo di mattino
e il tordo canterà
volandoti vicino...
non voltarti piú.
E qualcuno se vorrai
vestito di poesia
ti coprirà d'amore
senza chiederti di piú,
e t'accarezzerà
dolcissima Maria

Dulcisima Maria

Dulce Maria
olvidas que las flores
son pinturas del tiempo
sobre tu rostro,
y los años por andar
sentada a esperar
un largo, largo camino
ninguno conoces...

No te vuelvas mas.

Y el dia llegara
vestido de poesia
te hablara de sueños
que ya no recordabas
y te bendecira
dulcisima Maria

Dulce Maria
la de los ojos limpios
la de los ojos humedos
es tiempo de andar:
y pronto notaras
el perfume matinal
y el tordo cantara
volando junto a ti...

No te vuelvas mas.

Y alguno si quiere
vestido de poesia
te colmara de amor
sin hacer mas preguntas
y te acariciara
dulcisima Maria.

PFM siglo XXI


viernes, 8 de agosto de 2008

Brian Eno: escritor de canciones

Brian Eno (5 de mayo de 1948), o más exactamente Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno, pero conocido simplemente como Eno, es uno de los personajes más brillantes e incalificables de la música contemporánea ("del rock" le quedaría estrecho). Desde sus inicios como tecladista de Roxy Music a comienzos de los '70 mucho es lo que ha aportado a la música. Principalmente son conocidos sus trabajos como productor que incluyen discos de artistas como David Bowie, Talking Heads, los mejores discos de U2 o el último de Coldplay. También es conocida su labor como músico ambient (se le atribuye la creación del término), que incluye obras con otro músico brillante: Robert Fripp. Pero en esta ocasión vamos a dedicarnos a una faceta menos explorada de su creación: sus discos de canciones, que muestran a Eno como vocalista. La primera obra solista de Eno está compuesta por una tetralogía editada entre 1974 y 1977 ("Here Come the Warm Jets" y "Taking Tiger Mountain (By Strategy)", de 1974, "Another Green World", de 1975, y "Before and After Science", de 1977). Tuvieron que pasar cerca de 30 años para que Eno volviera a este formato de música con la edición de "Another Day on Earth" en 2005 (existen también algunos aportes al grupo 801 que compartiera con su ex-compañero de Roxy Music Phil Manzanera).

Los discos de canciones de Eno resumen buena parte de la historia del rock a lo que se suma sus experiencias con el tratamiento de sintetizadores y cintas, dando por resultado obras fascinantes que han superado gallardamente el paso del tiempo.

"Here Come the Warm Jets" (1974) fue el primer disco de Eno post su expulsión de Roxy Music y muestra el camino que la banda podría haber tomado si le hubieran dado lugar a sus ideas. Eno, nunca un consumado instrumentista, aquí es una especie de director de orquesta de músicos tales como Robert Fripp y Phil Manzanera (coautor en un par de temas) en guitarras, Nick Judd y Andy Mackay en teclados (también colabora con el saxo), John Wetton y Bill McCormick en bajo, y Simon King y Paul Thompson en bateria. Eno canta y toca ocasionalmente teclados y algunos otros instrumentos. El disco fue grabado en setiembre de 1973 y alterna rocks fuertes como "Baby's on fire" (con la frenética voz de Eno y la excelente guitarra de Fripp) o "Blank Frank" con temas más melódicos con una atmósfera que anticipa lo que sería su vertiente ambiente unos años después, como "On some Farawey Beach", "Dead Finks Don't Talk" o "Some of them are Old". El resultado muestra una mezcla heterogénea de temas con la voz de Eno como factor común.
Here comes the Warm Jets gracias al blog Listen the Silence

En "Taking Tiger Mountain (By Strategy)" (1974) Eno toma una línea más melódica. El nombre del disco surgió en ocasión de un viaje de Eno por la Costa Oeste de los EE.UU. Allí ve en una vidriera unas postales con escenas de una película musical china con ese nombre. Dice Eno : " 'Montaña del Tigre' [Tiger Mountain] tenía un sabor medieval, casi folklórico, mientras que 'Con estrategia' [By Strategy] invocaba algo moderno, técnico". Eno compró las postales y comenzó a madurar las ideas que tomarían forma en el disco. A su regreso, en febrero de 1974, se enfrascó con cientos de cintas y fragmentos de grabaciones que venía atesorando durante los últimos 10 años. Para esta ocasión Eno contó con una banda formada por su amigo Phil Manzanera en guitarras (que actuó como una suerte de co-productor o co-autor, incluso firma uno de lo temas con Eno), Brian Turrington en bajo, el Soft Machine Robert Wyatt en percusión y coros, y el propio Eno en teclados, guitarra snake y "electronics". Además contó con invitados tales como Andy Mackay o el Génesis Phill Collins, entre otros. Entre los temas destacan "The Great Pretender" (con un ritmo hipnótico y donde Eno se luce con sus "electronics"), "Third Uncle" (con una potente entrada de bajo, sería un clásico de los recitales de la banda 801), la casi canción de cuna "Put A Straw Under Baby" y la suave melodía "Taking Tiger Mountain" (que cierra el álbum). El disco fue grabado en setiembre de 1974 en Island Studios de Londres y editado en noviembre del mismo año. La carátula fue diseñada por el artista alemán Peter Schmidt.
Taking Tiger Mountain gracias al blog Listen the Silence

A comienzos de 1975, Eno sufre un accidente automovilístico (fue atropellado por un taxi) por el cual estuvo internado e incluso padeció de cierta desorientación por momentos, lo que le produjo el temor de que su cerebro hubiese sido dañado por el choque. En esa situación ocurrió un hecho que en gran parte llevó a la creación de la música ambiental . Lo cuenta el propio Eno: "Estaba en un cuarto oscuro y afuera llovía a cantaros. Una amiga me había traído un LP clásico. Era un disco muy tranquilo y, entre la mezcla de cansancio y calmantes, yo lo oía como si nunca hubiese escuchado música antes. Realmente, una hermosa experiencia. Fue allí cuando empecé a pensar en la música "enviromental", música construída especialmente como fondo (entrevista aparecida en la legendaria revista "Expreso imaginario", con traducción del gran Alfredo Rosso). En otra entrevista (J. Blánquez y O. Morera (coord). "Loops. Una historia de la música electrónica". Barcelona: Mondadori, 2002) Eno agregaba: "Mi amiga Judy Nylon me visitó y me trajo un disco de música de arpa del siglo XVIII. Después de que se marchase, y con bastante dificultad, puse el disco. Cuando ya estaba acostado, me di cuenta de que el volumen era extremadamente bajo y que uno de los canales del estéreo no funcionaba. Como no tenía la energía suficiente para levantarme y arreglarlo, el disco era casi inaudible. Estaba acostado en una semipenumbra, y entonces empecé a escuchar ese disco como nunca antes había escuchado música alguna. Era realmente una experiencia muy bella. Tenía la sensación de icebergs. No podía oír más que ocasionalmente los fragmentos más fuertes de la música, no percibía más que pequeñas ráfagas de notas que me llegaban por encima del ruido de la lluvia de afuera, y enseguida volvían a marcharse a la deriva." [...] "Al principio encontraba que la música experimental contemporánea era demasiado intelectual e ignoraba la posibilidad de llamar a los sentidos, mientras que el rock iba en dirección opuesta. De este modo imaginé algo que se situase entre las dos cosas, algo que fuera extremadamente bello pero no empalagoso, de modo que se pudiera abordar a diferentes niveles, sea escuchándolo con atención, sea dejándolo como un sonido de fondo".

Estas ideas llevaron a Eno a interesarse en la música de películas, las cuales, decía, no tienen foco, no tienen un núcleo central porque éste está en la pantalla. De allí comenzó a sustraer el foco de su música, lo que se puede apreciar en su siguiente disco "Another Green World".

"Another Green World" (1975), el primero de mis discos de Eno, resulta a mi entender el álbum más logrado de esta etapa del artista. Una rica lista de temas, canciones y también instrumentales, que no guardan demasiada relación con ninguna de las corrientes del rock de la época pero que sin dudas constituyen una obra interesante y excitante se la mire como se la mire. En este álbum Eno utiliza varios músicos que participan en diferentes temas. Phil Collins (limitándose a tocar la batería y sobre todo a no componer), el eximio Percy Jones (compañero de Collins en Brand X) en bajo fretless, John Cale en viola, su viejo amigo Robert Fripp en guitarras, entre otros, conforman una destacada banda. Aquí resulta más difícil señalar temas ya que todos ellos son de gran factura. Desde el extraño "Sky Saw" que abre el disco o la canción "St. Elmo's Fire" interpretada por Eno con sus aparatos y la guitarra Wimshurst de Fripp. También destacan los temas instrumentales donde Eno se hace cargo el solo de los instrumentos como "In Dark Trees", "The Big Ship" o el potente "Sombre Reptiles". "Golden Hours" resulta una linda melodia de ritmo entrocortado interpretada por el trio de Fripp en guitarra, Cale en viola y Eno en voz y teclados. En "Becalmed" y en "Zawinul/Lava" (aquí con los magníficos aportes de Collins, Jones, Paul Rudolph en guitarra y Rod Melvin en piano Rhodes) Eno adelanta lo que serán sus caminos por la música ambient. Mención especial para la bella "I'll Come Running" no sólo el mejor tema del disco sino uno de los más logrados de la discografía de Eno a mi entender. Se destaca en este tema el piano de Rod Melvin y sobre todo la impresionante (adjetivo muy utilizado últimamente en los medios pero que aquí se ajusta perfecatmente) guitarra de Fripp. El disco se grabó durante los meses de julio y agosto de 1975 también en los Island Studios y fue editado en el mes de setiembre. La tapa del álbum es un detalle del cuadro "After Ralph" del artista Tom Phillips.
Escuche "Golden Hours":



Another Green World gracias al blog Stupid and Contagious

Luego de "Another..." deberían pasar casi dos años para que Eno sacara otro álbum de canciones. Sin embargo en este período estuvo muy activo en otros proyectos como el disco de música electrónica junto a Robert Fripp "Evening Star", su disco también electrónico "Discreet Music", o colaboraciones con John Cale, con el David Bowie de Low, u con 801, entre otros. En estos años Eno llevó adelante de forma intensa su trabajo experiemental con los sonidos sintetizados que serían su marca personal. Finalmente en 1977 saldría el que sería su último disco de canciones por casi tres décadas.


"Before and After Science" (1977) sigue la tónica iniciada en "Another..." y ofrece una serie de temas densos y otros de pasajes más calmos si bien oscuros. En líneas generales, los primeros corresponden a la cara A del disco de vinilo (temas 1 a 5 del CD) y los segundos a la cara B (del 6 al 10). Phil Collins y Percy Jones vuelvena a constituir la base rítmica en algunos de los temas y después participan Paul Rudolph en bajo y guitarra rítmica, Dave Mattacks en batería, Fred Frith en guitarra, y los viejos amigos Robert Fripp y Phil Manzanera, entre otros (músicos que, como dice Eno, normalmente no tocarían juntos o no serían elegidos para esos temas). Eno se encarga de las voces, teclados, sintetizadores varios y se anima con la guitarra en un par de temas. Del lado A puede nombrarse la potente "Backwater" o la instrumental "Energy Fools the Magician". El lado B (mi preferido) suena sugerente, plagado de climas de la música electrónica de Eno, y llega a emocionar en diferentes momentos. Esuchése, por ejemplo el tema que cierra el álbum "Spider and I" ejecutado sólo por el bajo de Brian Turrington y la voz y los sintetizadores de Eno. Una mención especial merece la bella melodía de "By this River" que Eno firma junto al duo alemán de música electrónica Cluster (Achim Roedeluis y Mobi Moebius). Este tema fue utilizado por el cineasta italiano Nanni Moretti en su película "La stanza del figlio" (La habitación del hijo) del año 2001. El disco se grabó en Basing Streer Studios de Londres, y se editó en el mes de diciembre de 1977. La tapa muestra una imagen de Eno con iluminación Rembrandt, fotografía de Ritva Saariko, y la contratata se ilustra con cuatro acuarelas de Peter Schmidt: The Road and the Crater, Look at September, Look at October, The other house y Four Years.

Escuche "By this River":


Before and After the Science gracias al blog Jazz-Rock-Fusion-Guitar

Deberían pasar casi 30 años para que Brian Eno sacara otro discos de canciones, dentro de su prolífica obra como músico y como productor. Se trata del muy buen álbum "Another Day on Earth", del año 2005. Pero esto es ya otra historia.

domingo, 8 de junio de 2008

La verdad desnuda

Let it Be Naked (1969 o 1970 o 2003)

Para comienzos de 1969 las cosas no andaban muy bien en el campamento Beatle. El hecho de no tocar en vivo desde 1966, época en la que además sus recitales distaban bastante de la música que el grupo estaba haciendo en estudio, ayudaba a ese malestar. Para entonces, el grupo se encontraba ensayando los temas de su próximo álbum, en medio de discsuiones constantes y pésimos resultados. Hasta que a George se le ocurrió que subieran con todo y equipos a la azotea del estudio donde estaban grabando para tocar para el público que ocasionalmente se acercara y grabar el disco a la vieja usanza, es decir de una sola toma, tal como saliera. Era una manera de volver a las cosas simples y al contacto directo con el público, dos de los pilares en los inicios de la banda. Entonces, de manera sorpresiva, el 30 de enero de 1969 los cuatro Beatles juntos al tecladista Billy Preston subieron a la azotea de los estudios Apple Corps. (su propia corporación), en Londres, para lo que sería su última actuación en vivo. El mítico concierto, filmado por Michael Lindsay-Hogg, duró poco, se advierte la tensión y las constantes discusiones entre los músicos, y alguien realizó una denuncia por ruidos molestos y hasta la llegada de la policía se observa en la película que se filmó: Let it Be.

Con las tomas grabadas previamente en estudio y con lo obtenido del concierto, The Beatles ya disponían de suficiente material para su nuevo álbum. Sin embargo comenzarían los inconvenientes. Su histórico productor, George Martin (algo así como el quinto beatle) se negó a hacerse cargo del desorden de las miles de horas de grabación, la mayor parte de material desechable. En cambio, les propuso volver a reunirse y trabajar como en los viejos tiempos en un nuevo disco. El grupo aceptó dando así inicio a lo que sería el último disco que grabaría la banda, Abbey Road, editado el 26 de setiembre de 1969. Más no sería este el último trabajo publicado. Aún quedaban las grabaciones del disco que iba a llamarse Get Back, aludiendo a la vuelta a las raíces rockeras y simples del grupo, simpleza que ya se había perdido por el camino.

Todo el material, a pedido de Lennon, fue entregado entonces a otro productor, Phil Spector, que había adquirido cierta fama por su "pared de sonidos" que consistía en agregar una "pared" de sobregrabaciones de cuerdas y coros a sus trabajos. Spector, entonces, produjo lo que sería el último disco de The Beatles. La tarea, al parecer, recayó sólo en Spector y ninguno de los miembros de la banda tuvo mayor participación. El álbum, finalmente llamado "Let it Be", con material de 1969, fue editado el 8 de mayo de 1970 y se considera el último disco en la discografía oficial Beatle. La obra incluye, obviamente, la pared de sonido con orquestaciones melosas y sobrecargadas, y voces femeninas, arreglos que para nada estaban en la mente de ninguno de los cuatro músicos cuando pensaron un álbum "para volver a las fuentes rockeras". Sin embargo, la calidad (y las ventas) del disco se correspondieron con lo que podría esperarse de una obra de The Beatles.

El más enojado con el resultado fue Paul McCartney, que siempre estuvo reticente a trabajar con Spector, aún antes de entregarles las grabaciones. Pasó el tiempo, y 33 años después y con dos de los miembros originales de la banda ya fallecidos, McCartney vuelve a editar el álbum. La reedición se publicó con el nombre de “Let it be... Naked”, pretendiendo reflejar la desnudez y la pureza del proyecto original, libre ya de la (sobre)producción de Spector. Puede apreciarse en el disco que se han borrado las frases que había entre los temas, y no aparecen dos canciones, "Dig it" y "Maggi Mae". Se ha sumado un tema, "Don´t le me Down", que originalmente apareció en el lado B del simple "Get Back" y en la mítica recopilación "Beatles 1966-1970," más conocida como "Álbum Azul". Finalmente, se alteró el orden original de las canciones. Sin embargo, el objetivo más logrado fue el principal: mostrar a la posteridad como eran las canciones como los Beatles querían. O como Paul quería. O como el cree ahora que entonces quería.

Tres ingenieros trabajaron arduamente durante un año y medio eliminando digitalmente orquestaciones, coros, efectos y diálogos, en un intento de "mejorar" la obra acercándola a su idea original. Los cambios más notorios se observan en canciones como la balada de McCartney "The long and winding road", que suena más bella despojada de la "pared" de Spector. En "Let it be" no aparece el doblaje a la guitarra de Harrison, por lo que hay más espacio para escuchar el piano de Paul y la percusión de Ringo. Las voces en "Get back" y "Across the universe" suenan diferentes, mejores a las versiones originales. El inicio y la mezcla de "Don’t let me down" también son distintos. En suma, un muy buen "nuevo" disco de The Beatles. Se incluye un segundo CD con una pista llamada "Fly on the wall", "mosca en la pared", debido a que contiene diálogos breves, ensayos de canciones, discusiones, planes para el futuro y cosas que los Beatles hicieron durante el mes de enero de 1969 en la grabación del álbum original.

Ambas versiones de "Let it Be" pueden ser bajadas desde aquí gracias al blog P&P.

domingo, 4 de mayo de 2008

El hombre vegetal

Hacia fines de 1967 Los Floyd estaban preocupados grabando lo que sería su segundo álbum "A Saucerful of Secrets" en los míticos Abbey Road Studios. Su líder y creador Syd Barret destilaba lo que serían sus últimas gotas de talento. Uno de los temas que la banda tenía en reserva, en algún momento pensado para ser editado como disco simple, era "Vegetable Man", el "Hombre Vegetal" del propio Syd. Extrañamente, el tema nunca fue editado por PF, ni como simple, ni en un álbum y ni siquiera en una de las tantas recopilaciones que salieron. En el tema Barret se describe como se sentía en esa época: "Soy un vegetal humano" o "He estado buscando por todas partes un lugar para mí, pero no cualquiera, simplemente no es cualquier lugar" lo que anticipa su alejamiento (forzado) de la banda poco tiempo después. Lo cuenta Nick Mason en su libro "Inside Out: A Personal History of Pink Floyd" (editado en castellano como "Dentro de Pink Floyd. El largo y extraño viaje hacia el éxito de un grupo mítico"): "Las cosas llegaron a su fin en febrero, el día que debíamos tocar en un concierto en Southampton. En el coche, de camino para ir a buscar a Syd, alguien dijo '¿Recogemos a Syd?', y la respuesta fue 'No, joder, no vale la pena'.".
Quizá los tiempos de la banda, que iniciaba esa carrera hacia el éxito, no eran los mismos que los de Syd cada vez más enredado con la alienación y el deterioro mental. Como diría Roger Waters tiempo después: "Y si la banda en la que estás comienza a tocar melodías diferentes, te veré en el Lado Oscuro de la Luna" (PF, Brain Damage, 1973).
Vaya un recuerdo para este hombre vegetal.
Puede escuchar el tema desde acá.

jueves, 20 de marzo de 2008

Viejos conocidos

Premiata Forneria Marconi - Stati Di Immaginazione (2006)

Premiata Forneria Marconi (PFM) es una banda de rock progresivo, vertiente sinfónica con toques folk, y la banda más prominente del interesante rock progresivo italiano. Comenzaron su carrera en Italia y hacia 1973 se mudaron a Inglaterra de la mano de Emerson, Lake and Palmer (en especial de la de Greg Lake). Obtuvieron altos niveles de popularidad con exacta combinación de rock progresivo sinfónico y aires clásicos.

Desde 1980 sus discos aparecieron de formas más espaciada, y luego de un interregno entre 1987 y 1997 retoman su obra, cuyo último movimiento es el álbum que hoy nos ocupa: Stati Di Immaginazione, decimocuarto disco de estudio editado en el año 2006. En este último período de la banda podemos encontrar parte de lo mejor de su material, luego de diversos altibajos en su producción anterior.

PFM en su versión 2007 se ha reducido a un trío, con dos de los miembros originales de la banda (Franco Mussida y Franz Di Cioccio) y otro con un larga historia en el grupo (Patrick Djivas). Cuenta además con el agregado de dos músico invitados, uno de ellos (Lucio Fabbri) ex-miembro de la banda y otro (Gianluca Tagliavini) que con solvencia reemplaza al tecladista original de la banda, el excelente Flavio Premolí.

El disco fue grabado de una sola toma (sin sobregrabaciones) en el estudio y cuenta con ocho temas instrumentales (el primero en la historia de la banda totalmente instrumental), bellas melodías junto a momentos más rockeados e incluso fragmentos más jazzísticos, todos interpretados con la calidad que los diferentes miembros de PFM a lo largo de su extensa historia han mantenido admirablemente. El sonido mantiene claras reminiscencias de los comienzos de la banda, allá por lo setenta. "Il sogno di Leonardo" resulta, a mi entender, el momento más logrado, si bien todo el disco resulta de excelente factura.

El álbum fue editado en CD y en un DVD, en un proyecto multimedia donde cada tema es interpretado como cortos de cine, con imágenes que narran la historia de personajes, grupos humanos y etnias alrededor del mundo.

Stati Di Immaginazione fue muy bien recibido por la crítica y por el público, y resultó el mejor disco progresivo del año 2006 de acuerdo a la votación realizada por el blog Sonidos de verdad y el tercer disco del año según el sitio especializado ProgArchives.

En resumen, un excelente disco de un grupo que demuestra que una banda puede seguir haciendo discos brillantes aún 40 años después su formación (para que tomen nota unos cuantos que andan dando vuelta por allí).

Lista de temas:
1. La terra dell’acqua
2. Il mondo in testa
3. La conquista
4. Il sogno di Leonardo
5. Cyber Alpha
6. Agua Azul
7. Nederland 1903
8. Visioni di Archimede

La banda:
Franz Di Cioccio - batería, percusión
Patrick Djivas - bajo, bajo sin trastes, flauta
Franco Mussida - guitarras eléctrica, clásica y acústica

Los invitados:
Lucio Fabbri - violín, teclados
Gianluca Tagliavini - teclados, órgano Hammond, sintetizador Moog

El disco puede bajarse desde aquí, gracias al blog Sonidos de verdad.
(passwd: http://sonidosdeverdad.blogspot.com)




PFM ejecutando Ciber Alpha en el Gioia dell Colle, 28/12/2007

sábado, 8 de marzo de 2008

Un tema (Fearless, por PF)

La época "pre-Dark Side" de Pink Floyd no es muy conocida por el común de la gente. Por momentos, en ella podemos encontrar, en germen, la calidad sonora que explotaría en "Dark Side...", "Wish you..." y demás. El disco que más anticipa lo que será la banda poco tiempo después es seguramente Meddle de 1971, en particular la extensa suite espacial "Echoes" ("épico poema sonoro", como lo describió Waters por aquellos tiempos), que ocupaba todo el lado B del LP original en vinilo. El tema, al que tal vez le dediquemos un espacio en el futuro, fue un clásico de los conciertos de PF y la banda solía tocarlo como tema extra luego de interpretar "The Dark Side..." durante las giras de 1972 en adelante.

Pero este espacio queremos dedicarlo a otro tema de ese álbum: "Fearless", con letra de Roger Waters y música de David Guilmour, evocadora y bella melodía que extrañamente la banda nunca interpretó en vivo.

El tema trata sobre la importancia de ir por nuestros objetivos, aún en contra de las adversidades, y la de proponernos controlar nuestro destino, aunque se nos tilde de idiotas. La frase "Sin temor, el idiota se enfrentó a la multitud" (Fearlessly the idiot faced the crowd) apela evidentemente a los padecimientos de Syd Barret. Durante las sesiones de Meddle, Waters inspirado compuso otra canción sobre el mismo tema, con alusiones más directas a Syd, a la que llamó "The Dark Side of the Moon". La canción no formaría parte del álbum que se estaba grabando sino que formaría parte de otro proyecto que Waters estaba empezando a imaginar, ya con el nombre de "Brain Demage" (recordar que para esa época Roger y David aún intentaban reflotar la carrera solista de Syd que se hundía, como él, en un pozo de sin razón), cuya temática resulta similar a la de "Fearless", con el "nos veremos en el lado oscuro de la Luna".

"Fearless" incluye un fragmento de "You'll never walk alone", del musical "Carrusel" de Rogers y Hamerstein II (dúo de compositores de películas musicales tales como "El Rey y Yo", "La Cenicienta" y "La Novicia Rebelde"), himno del club de fútbol Liverpool. Hacia el final del tema se escucha a la hinchada entonando su himno en el estadio. Del tema se escuchan las frases "And you'll never walk / alone / in the dark / alone" ("nunca caminarás solo, en la oscuridad, solo"), que notoriamente alude a la realidad de Barret en 1971 y al esfuerzo, infructuoso, de sus amigos por mantenerlo a flote.

El disco fue lanzado el 13 de Noviembre de 1971 y sería un éxito ( 3° en Inglaterra, 70° en Estados Unido) y dos años más tardes aún estaría en las listas de discos más vendidos en Inglaterra.

Escuhe Fearless:



Fearless

You say the hill's too steep to climb, climbing
You say you'd like to see me try, climbing
You pick the place and I'll choose the time
And I'll climb the hill in my own way
Just wait a while for the right day
And as I rise above the tree-line and the clouds
I look down hearing the sound
of the things you've said today

Fearlessly the idiot faced the crowd, smiling
Merciless the magistrate turns around, frowning
And who's the fool who wears the crown
No doubt in your own way
And every day is the right day
And as you rise above the fear-lines in his brow
You look down hear the sound of the faces in the crowd


Sin temor

Dices que la colina es muy empinada para escalar, escálala
Dices que te gustaría verme intentándolo, escalando.
Tu eliges el lugar y yo elegiré la hora
Y escalaré esa colina a mi manera
Sólo espera un momento por el día correcto
Y como me levante sobre las líneas de los árboles y las nubes
Miro abajo, escuchando el sonido
de las cosas que dijiste hoy

Sin temor, el idiota se enfrentó a la multitud, sonriendo
Sin piedad, el magistrado se volvió, frunciendo el ceño
¿Y quién es el tonto que usa la corona?
Y baja, en tu propia manera
Y cada día es el día correcto
Y como te levantas sobre las líneas del miedo en su ceja
Miras abajo, escuchando el sonido de las caras en la multitud.

sábado, 1 de marzo de 2008

Versiones de "Dark Side of the Moon"

(seguramente esta entrada se irá enriqueciendo con nuevas versiones que vaya encontrando por allí)

Todo lo que representa el álbum "The Dark Side of the Moon" (Pink Floyd, 1973) o "Dark Side of the Moon", como se llamó en la edición en CD de 1993, no necesita ser aclarado en este espacio. A cerca de cumplir 34 años, la obra sigue siendo un ícono no sólo del rock sino de toda la cultura del último cuarto del siglo XX. Aspectos medulares de la sociedad del momento (y también de la actual) se reflejan en el disco: la alienación, la urgencia del tiempo, la soledad y más...

Pero aquí sólo queremos reflejar el impacto del álbum, tanto en la carrera de PF como en la de otros artistas que han realizado versiones integras del disco, algo que no ha pasado con obras de otros autores. Extrañamente, la primera de esas versiones apareció antes de editarse el disco: mientras la banda lo presentaba en vivo, durante 1972, apareció un disco pirata que muchos llegaron a confundir con un disco oficial de PF y que llegó a vender cerca de 100.000 copias. Conocida la pulcritud con que los Floyd editaban sus discos (que para entonces tenían una frecuencia de dos años, prácticamente el doble que lo habitual para grupos de rock) , resulta evidente el desagrado que tal lanzamiento causó en la banda.

Versiones de Pink Floyd

- Original (1973)

¿Qué decir de esta obra que no se haya dicho? Editada 1973 (versión vinilo), remasterizada para la versión XX Aniversario en 1993 (esa es la que tengo en CD, cuya tapa vemos a la izquierda y puede compararse con la original del vinilo que aparece más arriba en esta entrada) donde el nombre se cambia a "Dark Side of the Moon" (sin el "The" al inicio), vuelta a editar en sonido 5.1 para el XXX aniversario en 2003. Si no conoce este disco se ha perdido uno de los pináculos de la cultura de finales del siglo XX. Acá lo puede conocer.



- Pulse (1995)


Disco en vivo oficial hecho por la banda post-Waters. Al igual que éste lo haría 12 años después, el PF Guilmour interpretaba en 1995 el álbum completo; años después saldría en DVD. Escuchelo pasando por aquí.






- En vivo en Wembley (1974)


El registro compartido corresponde al concierto del 17 de Noviembre de 1974 en Empire Pool, Wembley en Londres. El sonido proviene del soundboard, por lo que su calidad es excelente. Puede bajarse de aquí gracias al blog Watmourrett's Pink Floyd Site







- The Great Gig in Boblingen (1972)

Muy buen recital de Pink Floyd dado el 15 de noviembre de 1972, en El Sporthalle Boblingen de Alemania. El disco fue lanzado en un doble CD, y fue una presentación muy poderosa sobre lo que sería The Dark Side of the Moon (editado recién el año siguiente). El disco 1 incluye la versión integra de DSOTM y el disco dos temas anteriores (tomado del blog Zona Floyd).






- Radio BBC. Brian Damage (1974).

A raíz de una actuación de PF, presentando The Dark Side of the Moon en la Radio BBC, el 16 de noviembre de 1974, se graba este disco producido en Luxemburgo. Posee un sonido de muy buena calidad. Puede bajarse desde aquí, gracias al blog Zona Floyd.








- Roger Waters. Dark Side Of The Moon Live (2006/07)

Durante 2006 y 2007 Roger Waters realizó una gira mundial que incluso lo trajo por Sudamerica, y a Argentina en particular a mediados de marzo del 2007 (concierto que tuve la grandísima suerte de ver). En dicha gira Waters y su banda (algunos incluso ex-Floyd Guilmour) interpretaban íntegro DSOTM, tal como lo había hecho PF unos años antes. Por la red se consiguen varios de esos recitales, de los cuales dejamos aquí un par en calidad de muestra. Como dato anecdótico, el propio Nick Mason tocó en algunos de los recitales dados en EE.UU.


RW y Dark Side of the Moon en Argentina (en River, el 15 de marzo de 2007)
RW y Dark Side of the Moon en Chile
RW y Dark Side of the Moon en Manhattan (considerado uno de los mejores recitales de la gira. Grabado en el Madison Square Garden el 12 de septiembre del 2006)







Versiones de otras bandas


- Dream Theater (2005)

Una de las versiones más destacadas de DSOTM es la que ofreció durante su gira del 2005 la excelente banda de metal progresivo Dream Theater. Los músicos interpretan una aceitada versión donde demuestran ser eximios ejecutantes de sus instrumentos. Para la ocasión, la banda interpretó otros temas de PF. Puede evaluarse esta versión desde aquí y los otros temas desde aquí gracias al blog Stigma rest room.





- Dark Side of the Moon a Capella (2005)

Una de las versiones que más gratamente sorprende es "Dark Side of the Moon A Cappella", una versión solo con voces (sin ningún instrumento), realizada por ocho cantantes y un "percusionista vocal" (un noveno que con su voz se encarga de la percusión). Los intérpretes recrean maravillosamente la obra y por momentos uno olvida que son solo voces humanas. Una de las versiones más magistrales que se hayan hecho de DSOTM. Desde aquí pueden escucharse fragmentos de Time, The Great Gig..., Money y Eclipse. Y desde aquí puede bajarse el disco gracias al blog Stigma rest room.


- Return to the Dark Side of the Moon (2005).

Producido por Billy Sherwood (quien alguna vez tocara en Yes) se edita en 2005 este tributo que respeta fielmente la versión original. Lo más destacado de esta obra es el verdadero seleccionado de músicos que se dedican a interpretar las canciones de PF: los King Crimson Adrian Belew, Bill Bruford (quien toco en un par de lados mas, ¿no?), Tony Levin y Pat Mastelloto, los Yes Steve Howe, Tony Kaye, Alan White, Rick Wakeman y Peter Banks, los Asia John Wetton, Geoff Downes y Jay Schellen, y además Jeff Baxter (Steely Dan), Vinnie Colaiuta (Frank Zappa), Aynsley Dunbar (Frank Zappa), Larry Fast (Peter Gabriel), Gary Green (Gentle Giant), Robby Krieger (The Doors), Steve Lukather (Toto), Scott Page (Toto, PF en alguna ocasión), Steve Porcaro (Toto), Tommy Shaw (Sytx), Edgar Winter y Dweezil Zappa, entre otros. Si bien, como se dijo, la obra intenta mantenerse fiel a la original por momentos la impronta de los músicos se impone (piénsese, por ejemplo en la calidad de un Belew o de un Wakeman, por nombrar sólo a un par). Como dato totalmente anecdótico, al final se escucha un tema totalmente obviable del productor (¿cierto narcisismo descompensado lo habrá llevado a ponerse a la altura de Waters, Guilmour y compañía?). El disco puede encontrarse aquí gracias al blog Zona Floyd.


- The Moon Revisited (1995).

Con la misma idea que el tributo anterior (hasta aparece el mismo Billy Sherwood) pero realizado varios años antes y con músicos no tan conocidos (al menos por mi). Este disco es bastante conocido parece ser y puede ser bajado desde aquí, gracias al blog Stigma rest room.








- String Quartet. Tribute to Pink Floyd's The Dark Side of the Moon (2003).

Versión extraña realizada por este cuarteto de cuerdas. Así como en la versión a capella no hay instrumentos, aquí no hay voces... ni otros instrumentos que los del cuarteto. El disco puede bajarse desde aquí, gracias al blog Sus Rocks, o desde aquí, gracias al blog Stigma rest room.







- Easy Star All Stars. Dub Side of the Moon (2003).

Una de las versiones más extrañas y simpáticas es la que lanzó la compañía Easy Star que reunió a un seleccionado de sus mejores músicos y en el año del XXX aniversario de DSOTM editó un homenaje pero fiel a su estilo: ¡el reggae! Se nota que las mentes detrás de este proyecto conocían el álbum de PF de manera íntegra y profunda ya que los temas de "Dub Side..." contienen arreglos similares (hasta donde lo permite el cambio de estilo del rock progresivo al reggae), idéntica duración y los mismos sampleos entre tema y tema que resultan tan característicos de DSOTM. Igualmente hay lugar para algunas bromas como reemplazar los despertadores y campanas del inicio de Time por un gallo, o las máquinas tragamonedas de Money por sonidos de "encendedor, burbujas, tos, encendedor, burbujas, tos...". Desde aquí pueden escucharse Money, The Great Gig... y Us and Them y puede evaluarse el disco desde aquí gracias al blog Tuto's Blog. En suma, una edición interesante, aunque quizá deje a algunos fanáticos de PF mirando con cierta desconfianza.

- Mary Fahl - From the Dark Side of the Moon (2007)

Versión de esta cantante, compositora y actriz norteamericana, ambas (la versión y la cantante) totalmente desconocidas para mi hasta el momento (gracias al blog Rock Privado que paso el dato). Versión extraña no apegada a la original, con aires new age, y la prodigiosa voz contralto de la tal Fahl. La grabación finalizó en setiembre de 2006 para V2 Records. Según la autora, este álbum "re-imagina" el clásico disco de los PF. Fue producido por Mark Doyle y David Werner y puede ser bajado desde aquí.