Otro experimento exitoso

801 - Live! (1976)

Para 1976, Bryan Ferry decide darle un descanso merecido a su exitoso proyecto de Roxy Music (a la vuelta, ya nada volvería a ser lo mismo). Con tiempo disponible, el excelente guitarrista de los Roxy, Phil Manzanera, decide formar un grupo para pasar el rato. Para ello, convoca a su amigo Brian Eno (también con pasado en R.M., hasta que fue despedido impiadosamente por Ferry) para que se haga cargo de las voces, los teclados y sus cintas de sonidos, y a una sólida banda conformada por Simon Phillips (extensa trayectoria, que incluiría a los Roxy, batería), Francis Monkman (ex-Curved Air, teclados), Bill MacCormick (ex-Matching Mole, bajo y voces) y Lloyd Watson (guitarra slide).

El proyecto fue bautizado con el extraño nombre de "801", tomado del tema de Eno "The True Wheel" ("Taking Tiger Mountain", de 1974) que decía "We are the 801, we are the central shaft" (!). 801 fue un auténtico supergrupo formado muy poco tiempo antes de que explotara la revolución punk. La banda no duró mucho tiempo (sólo dio tres conciertos entre agosto y setiembre de 1976) y luego de este disco editaría otro, de estudio, no tan auspicioso como este que estamos comentando.

"801 Live!" corresponde a una presentación del grupo en el Festival de Readig celebrado en el Queen Elizabeth Hall de Londres, el día 3 de setiembre de 1976. El disco se destaca por la originalidad y la calidad de su sonido. Abre el instrumental, y floydiano, "Lágrima" con un buen trabajo de Manzanera; se continua con un tema que aparece como "T.N.K." en la portada del disco, que no es sino una brillante interpretación de "Tomorrow Never Knows" del álbum Revolver de Los Beatles. Aquí Eno demuestra que también puede ser un buen cantante (como ya hemos comentado en este blog). La versión del tema de Lenon y McCartney, que comienza con una potente entrada de bajo, es brillante y los sintetizadores dan una nota entre espacial y psicodélica. El sonido se vuelve un poco más jazz-rock en "East of Asteroid", que suena con cierto toque krimsoniano. Más adelante, aparecen temas de los discos de canciones de Eno: "Sombre Reptiles" (de "Another Green World", de 1975), una frenética versión de "Baby's on Fire" (de "Here Comes the Warm Jets, de 1974, donde Manzanera toma la ímproba tarea de reemplazar la guitarra de Robert Fripp y sale airoso) y Third Uncle (de "Taking Tiger Mountain"), un cover de los Kinks, el recordado, "You really got me", y temas de discos de Manzanera y de su anterior grupo Quiet Sun, entre ellos "Diamond Head" con otra soberbia actuación de Manzanera.

Por esas cosas de la comercialización y de la publicidad, el disco no tuvo gran suceso de ventas si bien lo merecía ampliamente. De todas maneras, fue reeditado en CD hace unos años con el agregado de un par de temas. Sin embargo, obtuvo excelentes (y merecidos) comentarios de la crítica y es una pieza digna de paladares exquisitos. "801 Live!", como otros discos comentados aquí, parece no envejecer: pese al paso del tiempo sigue sonando actual.

En suma, "801 Live" no sólo es un excelente disco sino también una evidencia de lo que podría haber sido la música de Roxy Music si el narcicismo de Bryan Ferry no hubiera entrado en coalición con el narcicismo de Brian Eno. Seguramente, R.M. habría salido ganando (sin desestimar las dotes del sucesor de Eno, Eddie Jobson), y quizá nos hubiéramos salvado del sonido almibarado, muuuuyyyy Ferry, de los últimos tiempos.

La tapa es muy fea.

La banda:
Brian Eno - Synthesizer, Guitar, Keyboards, Vocals, Tape
Bill MacCormick - Bass, Vocals
Phil Manzanera - Guitar, Vocals
Francis Monkman - Keyboards, Clavinet, Fender Rhodes
Simon Phillips - Drums, Rhythm Box
Lloyd Watson - Guitar, Vocals, Slide Guitar

Los temas:
1 Lagrima (Manzanera) 2:35
2 T.N.K. (Tomorrow Never Knows) (Lennon, McCartney) 6:15
3 East of Asteroid (Manzanera, MacCormick) 4:58
4 Rongwrong (Hayward) 5:10
5 Sombre Reptiles (Eno) 3:14
6 Baby's on Fire (Eno) 5:03
7 Diamond Head (Manzanera) 6:21
8 Miss Shapiro (Manzanera) 4:21
9 You Really Got Me (Ray Davies) 3:23
10 Third Uncle (Eno) 5:14
Temas agregados:
Golden Hours
Fat Lady of Limburg

(T.N.K. puede escucharse completo, del resto fragmentos desde la propia página de Manzanera)

o

Escuche "801 Live!" gracias al blog Oldandnew

(Manzanera y Eno)

Un tema (Dolcissima Maria, por Premiata Forneria Marconi)

Premiata Forneria Marconi, PFM para los amigos, ha sido y es una excelente banda de rock progresivo no inglés (o italiano, para el caso). En una entrada anterior ya hemos hablado algo de ellos. Su salto a la fama lo dan hacia 1973 cuando graban el disco "Photos of Ghost" bajo el sello Manticore, en Inglaterra. Lo extraño del caso es que el (casi) mismo disco había sido editado en Italia el año antes con el nombre de "Per un amico". La historia dice que PFM llama la atención de Greg Lake en una gira por Italia de ELP (Emerson, Lake and Palmer, por supuesto). Este ayuda a que la banda firme para Manticore y edite "Per un amico" en Inglatera, pero con letras nuevas (no traducciones) escritas por Peter Sinfield, a la sazón letrista oficial de King Crimson. Así sale a la luz "Photos of Ghost".

El próximo álbum italiano de PFM fue "L'isola di niente" de 1974, que también tuvo su correspondiente versión inglesa del mismo año titulada "The World Became the World" (nuevamente con letras de Sinfield).

En verdad, musicalmente fue más lo que PFM perdió con su "mudanza" a Inglaterra, que lo que ganó. Por eso sus álbumes siguientes, ingleses ya, comenzado por "Chocolate Kings" de 1975, no fueron lo que sus ilustres antecesores genuinamente italianos. Por eso también, con el paso del tiempo la banda se "italianisaría" de nuevo y en los recitales sus viejos temas serían los italianos. Pero claro, supongo que la fama mundial (que PFM no conseguiría quedándose en Italia a comienzos de los 70') debe haber sido un buen incentivo.

El bello tema que nos ocupa, "Dolcissima Maria" (se llamaría "Just look away" en inglés), apareció en "L'isola de niente" . La formación de la banda para entonces era la siguiente:

- Franz Di Cioccio: batería, sintetizador Moog, voces.
- Franco Mussida: Guitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra de doce cuerdas, mandolina, voces.
- Mauro Pagani: flauta, violín, voces.
- Patrick Djivas: Bajo, voces.
- Flavio Premoli: Teclados, Melotrón, clave, piano, sintetizador Moog, voces.

Escuche la versión original de "Dolcissima Maria":



Con algunas interrupciones, la banda siguió tocando y en 2002 edita el DVD "Live in Japan" donde encontramos una nueva pero igualmente sentida versión de "Dolcissima Maria" (y no de "Just Look Away", obviamente). Para esta ocasión PFM estaba compuesto por:

- Franz Di Cioccio: voz lider, batería
- Flavio Premoli: teclados, voces
- Franco Mussida: guitarras, voces
- Patrick Djivas: bajo (flauta en el tema)
Invitados:
- Lucio Fabbri: violín, teclados, guitarras
- Pietro Monterisi: batería

Escuche esta versión:



o disfrute el video del tema


Dolcissima Maria
(F.Mussida-F.Premoli-M.Pagani)

Dolcissima Maria
Dolce Maria
dimentica i fiori
dipinti dal tempo
sopra il tuo viso,
e gli anni andati via
seduta ad aspettare
una lunga, lunga via
nessuno da incontrare...
Non voltarti piu

E ii giorno arriverà
vestito di poesia
ti parlerà di sogni
che non ricordavi piú,
e ti benedirà
dolcissima Maria

Dolce Maria
dagli occhi puliti
dagli occhi bagnati
è tempo d'andare:
è presto sentirai
profumo di mattino
e il tordo canterà
volandoti vicino...
non voltarti piú.
E qualcuno se vorrai
vestito di poesia
ti coprirà d'amore
senza chiederti di piú,
e t'accarezzerà
dolcissima Maria

Dulcisima Maria

Dulce Maria
olvidas que las flores
son pinturas del tiempo
sobre tu rostro,
y los años por andar
sentada a esperar
un largo, largo camino
ninguno conoces...

No te vuelvas mas.

Y el dia llegara
vestido de poesia
te hablara de sueños
que ya no recordabas
y te bendecira
dulcisima Maria

Dulce Maria
la de los ojos limpios
la de los ojos humedos
es tiempo de andar:
y pronto notaras
el perfume matinal
y el tordo cantara
volando junto a ti...

No te vuelvas mas.

Y alguno si quiere
vestido de poesia
te colmara de amor
sin hacer mas preguntas
y te acariciara
dulcisima Maria.

PFM siglo XXI

Brian Eno: escritor de canciones

Brian Eno (5 de mayo de 1948), o más exactamente Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno, pero conocido simplemente como Eno, es uno de los personajes más brillantes e incalificables de la música contemporánea ("del rock" le quedaría estrecho). Desde sus inicios como tecladista de Roxy Music a comienzos de los '70 mucho es lo que ha aportado a la música. Principalmente son conocidos sus trabajos como productor que incluyen discos de artistas como David Bowie, Talking Heads, los mejores discos de U2 o el último de Coldplay. También es conocida su labor como músico ambient (se le atribuye la creación del término), que incluye obras con otro músico brillante: Robert Fripp. Pero en esta ocasión vamos a dedicarnos a una faceta menos explorada de su creación: sus discos de canciones, que muestran a Eno como vocalista. La primera obra solista de Eno está compuesta por una tetralogía editada entre 1974 y 1977 ("Here Come the Warm Jets" y "Taking Tiger Mountain (By Strategy)", de 1974, "Another Green World", de 1975, y "Before and After Science", de 1977). Tuvieron que pasar cerca de 30 años para que Eno volviera a este formato de música con la edición de "Another Day on Earth" en 2005 (existen también algunos aportes al grupo 801 que compartiera con su ex-compañero de Roxy Music Phil Manzanera).

Los discos de canciones de Eno resumen buena parte de la historia del rock a lo que se suma sus experiencias con el tratamiento de sintetizadores y cintas, dando por resultado obras fascinantes que han superado gallardamente el paso del tiempo.

"Here Come the Warm Jets" (1974) fue el primer disco de Eno post su expulsión de Roxy Music y muestra el camino que la banda podría haber tomado si le hubieran dado lugar a sus ideas. Eno, nunca un consumado instrumentista, aquí es una especie de director de orquesta de músicos tales como Robert Fripp y Phil Manzanera (coautor en un par de temas) en guitarras, Nick Judd y Andy Mackay en teclados (también colabora con el saxo), John Wetton y Bill McCormick en bajo, y Simon King y Paul Thompson en bateria. Eno canta y toca ocasionalmente teclados y algunos otros instrumentos. El disco fue grabado en setiembre de 1973 y alterna rocks fuertes como "Baby's on fire" (con la frenética voz de Eno y la excelente guitarra de Fripp) o "Blank Frank" con temas más melódicos con una atmósfera que anticipa lo que sería su vertiente ambiente unos años después, como "On some Farawey Beach", "Dead Finks Don't Talk" o "Some of them are Old". El resultado muestra una mezcla heterogénea de temas con la voz de Eno como factor común.
Here comes the Warm Jets gracias al blog Listen the Silence

En "Taking Tiger Mountain (By Strategy)" (1974) Eno toma una línea más melódica. El nombre del disco surgió en ocasión de un viaje de Eno por la Costa Oeste de los EE.UU. Allí ve en una vidriera unas postales con escenas de una película musical china con ese nombre. Dice Eno : " 'Montaña del Tigre' [Tiger Mountain] tenía un sabor medieval, casi folklórico, mientras que 'Con estrategia' [By Strategy] invocaba algo moderno, técnico". Eno compró las postales y comenzó a madurar las ideas que tomarían forma en el disco. A su regreso, en febrero de 1974, se enfrascó con cientos de cintas y fragmentos de grabaciones que venía atesorando durante los últimos 10 años. Para esta ocasión Eno contó con una banda formada por su amigo Phil Manzanera en guitarras (que actuó como una suerte de co-productor o co-autor, incluso firma uno de lo temas con Eno), Brian Turrington en bajo, el Soft Machine Robert Wyatt en percusión y coros, y el propio Eno en teclados, guitarra snake y "electronics". Además contó con invitados tales como Andy Mackay o el Génesis Phill Collins, entre otros. Entre los temas destacan "The Great Pretender" (con un ritmo hipnótico y donde Eno se luce con sus "electronics"), "Third Uncle" (con una potente entrada de bajo, sería un clásico de los recitales de la banda 801), la casi canción de cuna "Put A Straw Under Baby" y la suave melodía "Taking Tiger Mountain" (que cierra el álbum). El disco fue grabado en setiembre de 1974 en Island Studios de Londres y editado en noviembre del mismo año. La carátula fue diseñada por el artista alemán Peter Schmidt.
Taking Tiger Mountain gracias al blog Listen the Silence

A comienzos de 1975, Eno sufre un accidente automovilístico (fue atropellado por un taxi) por el cual estuvo internado e incluso padeció de cierta desorientación por momentos, lo que le produjo el temor de que su cerebro hubiese sido dañado por el choque. En esa situación ocurrió un hecho que en gran parte llevó a la creación de la música ambiental . Lo cuenta el propio Eno: "Estaba en un cuarto oscuro y afuera llovía a cantaros. Una amiga me había traído un LP clásico. Era un disco muy tranquilo y, entre la mezcla de cansancio y calmantes, yo lo oía como si nunca hubiese escuchado música antes. Realmente, una hermosa experiencia. Fue allí cuando empecé a pensar en la música "enviromental", música construída especialmente como fondo (entrevista aparecida en la legendaria revista "Expreso imaginario", con traducción del gran Alfredo Rosso). En otra entrevista (J. Blánquez y O. Morera (coord). "Loops. Una historia de la música electrónica". Barcelona: Mondadori, 2002) Eno agregaba: "Mi amiga Judy Nylon me visitó y me trajo un disco de música de arpa del siglo XVIII. Después de que se marchase, y con bastante dificultad, puse el disco. Cuando ya estaba acostado, me di cuenta de que el volumen era extremadamente bajo y que uno de los canales del estéreo no funcionaba. Como no tenía la energía suficiente para levantarme y arreglarlo, el disco era casi inaudible. Estaba acostado en una semipenumbra, y entonces empecé a escuchar ese disco como nunca antes había escuchado música alguna. Era realmente una experiencia muy bella. Tenía la sensación de icebergs. No podía oír más que ocasionalmente los fragmentos más fuertes de la música, no percibía más que pequeñas ráfagas de notas que me llegaban por encima del ruido de la lluvia de afuera, y enseguida volvían a marcharse a la deriva." [...] "Al principio encontraba que la música experimental contemporánea era demasiado intelectual e ignoraba la posibilidad de llamar a los sentidos, mientras que el rock iba en dirección opuesta. De este modo imaginé algo que se situase entre las dos cosas, algo que fuera extremadamente bello pero no empalagoso, de modo que se pudiera abordar a diferentes niveles, sea escuchándolo con atención, sea dejándolo como un sonido de fondo".

Estas ideas llevaron a Eno a interesarse en la música de películas, las cuales, decía, no tienen foco, no tienen un núcleo central porque éste está en la pantalla. De allí comenzó a sustraer el foco de su música, lo que se puede apreciar en su siguiente disco "Another Green World".

"Another Green World" (1975), el primero de mis discos de Eno, resulta a mi entender el álbum más logrado de esta etapa del artista. Una rica lista de temas, canciones y también instrumentales, que no guardan demasiada relación con ninguna de las corrientes del rock de la época pero que sin dudas constituyen una obra interesante y excitante se la mire como se la mire. En este álbum Eno utiliza varios músicos que participan en diferentes temas. Phil Collins (limitándose a tocar la batería y sobre todo a no componer), el eximio Percy Jones (compañero de Collins en Brand X) en bajo fretless, John Cale en viola, su viejo amigo Robert Fripp en guitarras, entre otros, conforman una destacada banda. Aquí resulta más difícil señalar temas ya que todos ellos son de gran factura. Desde el extraño "Sky Saw" que abre el disco o la canción "St. Elmo's Fire" interpretada por Eno con sus aparatos y la guitarra Wimshurst de Fripp. También destacan los temas instrumentales donde Eno se hace cargo el solo de los instrumentos como "In Dark Trees", "The Big Ship" o el potente "Sombre Reptiles". "Golden Hours" resulta una linda melodia de ritmo entrocortado interpretada por el trio de Fripp en guitarra, Cale en viola y Eno en voz y teclados. En "Becalmed" y en "Zawinul/Lava" (aquí con los magníficos aportes de Collins, Jones, Paul Rudolph en guitarra y Rod Melvin en piano Rhodes) Eno adelanta lo que serán sus caminos por la música ambient. Mención especial para la bella "I'll Come Running" no sólo el mejor tema del disco sino uno de los más logrados de la discografía de Eno a mi entender. Se destaca en este tema el piano de Rod Melvin y sobre todo la impresionante (adjetivo muy utilizado últimamente en los medios pero que aquí se ajusta perfecatmente) guitarra de Fripp. El disco se grabó durante los meses de julio y agosto de 1975 también en los Island Studios y fue editado en el mes de setiembre. La tapa del álbum es un detalle del cuadro "After Ralph" del artista Tom Phillips.
Escuche "Golden Hours":



Another Green World gracias al blog Stupid and Contagious

Luego de "Another..." deberían pasar casi dos años para que Eno sacara otro álbum de canciones. Sin embargo en este período estuvo muy activo en otros proyectos como el disco de música electrónica junto a Robert Fripp "Evening Star", su disco también electrónico "Discreet Music", o colaboraciones con John Cale, con el David Bowie de Low, u con 801, entre otros. En estos años Eno llevó adelante de forma intensa su trabajo experiemental con los sonidos sintetizados que serían su marca personal. Finalmente en 1977 saldría el que sería su último disco de canciones por casi tres décadas.

"Before and After Science" (1977) sigue la tónica iniciada en "Another..." y ofrece una serie de temas densos y otros de pasajes más calmos si bien oscuros. En líneas generales, los primeros corresponden a la cara A del disco de vinilo (temas 1 a 5 del CD) y los segundos a la cara B (del 6 al 10). Phil Collins y Percy Jones vuelvena a constituir la base rítmica en algunos de los temas y después participan Paul Rudolph en bajo y guitarra rítmica, Dave Mattacks en batería, Fred Frith en guitarra, y los viejos amigos Robert Fripp y Phil Manzanera, entre otros (músicos que, como dice Eno, normalmente no tocarían juntos o no serían elegidos para esos temas). Eno se encarga de las voces, teclados, sintetizadores varios y se anima con la guitarra en un par de temas. Del lado A puede nombrarse la potente "Backwater" o la instrumental "Energy Fools the Magician". El lado B (mi preferido) suena sugerente, plagado de climas de la música electrónica de Eno, y llega a emocionar en diferentes momentos. Esuchése, por ejemplo el tema que cierra el álbum "Spider and I" ejecutado sólo por el bajo de Brian Turrington y la voz y los sintetizadores de Eno. Una mención especial merece la bella melodía de "By this River" que Eno firma junto al duo alemán de música electrónica Cluster (Achim Roedeluis y Mobi Moebius). Este tema fue utilizado por el cineasta italiano Nanni Moretti en su película "La stanza del figlio" (La habitación del hijo) del año 2001. El disco se grabó en Basing Streer Studios de Londres, y se editó en el mes de diciembre de 1977. La tapa muestra una imagen de Eno con iluminación Rembrandt, fotografía de Ritva Saariko, y la contratata se ilustra con cuatro acuarelas de Peter Schmidt: The Road and the Crater, Look at September, Look at October, The other house y Four Years.

Escuche "By this River":

Before and After the Science gracias al blog Jazz-Rock-Fusion-Guitar

Deberían pasar casi 30 años para que Brian Eno sacara otro discos de canciones, dentro de su prolífica obra como músico y como productor. Se trata del muy buen álbum "Another Day on Earth", del año 2005. Pero esto es ya otra historia.

La verdad desnuda

Let it Be Naked (1969 o 1970 o 2003)

Para comienzos de 1969 las cosas no andaban muy bien en el campamento Beatle. El hecho de no tocar en vivo desde 1966, época en la que además sus recitales distaban bastante de la música que el grupo estaba haciendo en estudio, ayudaba a ese malestar. Para entonces, el grupo se encontraba ensayando los temas de su próximo álbum, en medio de discsuiones constantes y pésimos resultados. Hasta que a George se le ocurrió que subieran con todo y equipos a la azotea del estudio donde estaban grabando para tocar para el público que ocasionalmente se acercara y grabar el disco a la vieja usanza, es decir de una sola toma, tal como saliera. Era una manera de volver a las cosas simples y al contacto directo con el público, dos de los pilares en los inicios de la banda. Entonces, de manera sorpresiva, el 30 de enero de 1969 los cuatro Beatles juntos al tecladista Billy Preston subieron a la azotea de los estudios Apple Corps. (su propia corporación), en Londres, para lo que sería su última actuación en vivo. El mítico concierto, filmado por Michael Lindsay-Hogg, duró poco, se advierte la tensión y las constantes discusiones entre los músicos, y alguien realizó una denuncia por ruidos molestos y hasta la llegada de la policía se observa en la película que se filmó: Let it Be.

Con las tomas grabadas previamente en estudio y con lo obtenido del concierto, The Beatles ya disponían de suficiente material para su nuevo álbum. Sin embargo comenzarían los inconvenientes. Su histórico productor, George Martin (algo así como el quinto beatle) se negó a hacerse cargo del desorden de las miles de horas de grabación, la mayor parte de material desechable. En cambio, les propuso volver a reunirse y trabajar como en los viejos tiempos en un nuevo disco. El grupo aceptó dando así inicio a lo que sería el último disco que grabaría la banda, Abbey Road, editado el 26 de setiembre de 1969. Más no sería este el último trabajo publicado. Aún quedaban las grabaciones del disco que iba a llamarse Get Back, aludiendo a la vuelta a las raíces rockeras y simples del grupo, simpleza que ya se había perdido por el camino.

Todo el material, a pedido de Lennon, fue entregado entonces a otro productor, Phil Spector, que había adquirido cierta fama por su "pared de sonidos" que consistía en agregar una "pared" de sobregrabaciones de cuerdas y coros a sus trabajos. Spector, entonces, produjo lo que sería el último disco de The Beatles. La tarea, al parecer, recayó sólo en Spector y ninguno de los miembros de la banda tuvo mayor participación. El álbum, finalmente llamado "Let it Be", con material de 1969, fue editado el 8 de mayo de 1970 y se considera el último disco en la discografía oficial Beatle. La obra incluye, obviamente, la pared de sonido con orquestaciones melosas y sobrecargadas, y voces femeninas, arreglos que para nada estaban en la mente de ninguno de los cuatro músicos cuando pensaron un álbum "para volver a las fuentes rockeras". Sin embargo, la calidad (y las ventas) del disco se correspondieron con lo que podría esperarse de una obra de The Beatles.

El más enojado con el resultado fue Paul McCartney, que siempre estuvo reticente a trabajar con Spector, aún antes de entregarles las grabaciones. Pasó el tiempo, y 33 años después y con dos de los miembros originales de la banda ya fallecidos, McCartney vuelve a editar el álbum. La reedición se publicó con el nombre de “Let it be... Naked”, pretendiendo reflejar la desnudez y la pureza del proyecto original, libre ya de la (sobre)producción de Spector. Puede apreciarse en el disco que se han borrado las frases que había entre los temas, y no aparecen dos canciones, "Dig it" y "Maggi Mae". Se ha sumado un tema, "Don´t le me Down", que originalmente apareció en el lado B del simple "Get Back" y en la mítica recopilación "Beatles 1966-1970," más conocida como "Álbum Azul". Finalmente, se alteró el orden original de las canciones. Sin embargo, el objetivo más logrado fue el principal: mostrar a la posteridad como eran las canciones como los Beatles querían. O como Paul quería. O como el cree ahora que entonces quería.

Tres ingenieros trabajaron arduamente durante un año y medio eliminando digitalmente orquestaciones, coros, efectos y diálogos, en un intento de "mejorar" la obra acercándola a su idea original. Los cambios más notorios se observan en canciones como la balada de McCartney "The long and winding road", que suena más bella despojada de la "pared" de Spector. En "Let it be" no aparece el doblaje a la guitarra de Harrison, por lo que hay más espacio para escuchar el piano de Paul y la percusión de Ringo. Las voces en "Get back" y "Across the universe" suenan diferentes, mejores a las versiones originales. El inicio y la mezcla de "Don’t let me down" también son distintos. En suma, un muy buen "nuevo" disco de The Beatles. Se incluye un segundo CD con una pista llamada "Fly on the wall", "mosca en la pared", debido a que contiene diálogos breves, ensayos de canciones, discusiones, planes para el futuro y cosas que los Beatles hicieron durante el mes de enero de 1969 en la grabación del álbum original.

Ambas versiones de "Let it Be" pueden ser bajadas desde aquí gracias al blog P&P.

El hombre vegetal

Hacia fines de 1967 Los Floyd estaban preocupados grabando lo que sería su segundo álbum "A Saucerful of Secrets" en los míticos Abbey Road Studios. Su líder y creador Syd Barret destilaba lo que serían sus últimas gotas de talento. Uno de los temas que la banda tenía en reserva, en algún momento pensado para ser editado como disco simple, era "Vegetable Man", el "Hombre Vegetal" del propio Syd. Extrañamente, el tema nunca fue editado por PF, ni como simple, ni en un álbum y ni siquiera en una de las tantas recopilaciones que salieron. En el tema Barret se describe como se sentía en esa época: "Soy un vegetal humano" o "He estado buscando por todas partes un lugar para mí, pero no cualquiera, simplemente no es cualquier lugar" lo que anticipa su alejamiento (forzado) de la banda poco tiempo después. Lo cuenta Nick Mason en su libro "Inside Out: A Personal History of Pink Floyd" (editado en castellano como "Dentro de Pink Floyd. El largo y extraño viaje hacia el éxito de un grupo mítico"): "Las cosas llegaron a su fin en febrero, el día que debíamos tocar en un concierto en Southampton. En el coche, de camino para ir a buscar a Syd, alguien dijo '¿Recogemos a Syd?', y la respuesta fue 'No, joder, no vale la pena'.".

Quizá los tiempos de la banda, que iniciaba esa carrera hacia el éxito, no eran los mismos que los de Syd cada vez más enredado con la alienación y el deterioro mental. Como diría Roger Waters tiempo después: "Y si la banda en la que estás comienza a tocar melodías diferentes, te veré en el Lado Oscuro de la Luna" (PF, Brain Damage, 1973).

Vaya un recuerdo para este hombre vegetal.
Puede escuchar el tema desde acá.

Un tema (Fearless, por PF)

La época "pre-Dark Side" de Pink Floyd no es muy conocida por el común de la gente. Por momentos, en ella podemos encontrar, en germen, la calidad sonora que explotaría en "Dark Side...", "Wish you..." y demás. El disco que más anticipa lo que será la banda poco tiempo después es seguramente Meddle de 1971, en particular la extensa suite espacial "Echoes" ("épico poema sonoro", como lo describió Waters por aquellos tiempos), que ocupaba todo el lado B del LP original en vinilo. El tema, al que tal vez le dediquemos un espacio en el futuro, fue un clásico de los conciertos de PF y la banda solía tocarlo como tema extra luego de interpretar "The Dark Side..." durante las giras de 1972 en adelante.

Pero este espacio queremos dedicarlo a otro tema de ese álbum: "Fearless", con letra de Roger Waters y música de David Guilmour, evocadora y bella melodía que extrañamente la banda nunca interpretó en vivo.

El tema trata sobre la importancia de ir por nuestros objetivos, aún en contra de las adversidades, y la de proponernos controlar nuestro destino, aunque se nos tilde de idiotas. La frase "Sin temor, el idiota se enfrentó a la multitud" (Fearlessly the idiot faced the crowd) apela evidentemente a los padecimientos de Syd Barret. Durante las sesiones de Meddle, Waters inspirado compuso otra canción sobre el mismo tema, con alusiones más directas a Syd, a la que llamó "The Dark Side of the Moon". La canción no formaría parte del álbum que se estaba grabando sino que formaría parte de otro proyecto que Waters estaba empezando a imaginar, ya con el nombre de "Brain Demage" (recordar que para esa época Roger y David aún intentaban reflotar la carrera solista de Syd que se hundía, como él, en un pozo de sin razón), cuya temática resulta similar a la de "Fearless", con el "nos veremos en el lado oscuro de la Luna".

"Fearless" incluye un fragmento de "You'll never walk alone", del musical "Carrusel" de Rogers y Hamerstein II (dúo de compositores de películas musicales tales como "El Rey y Yo", "La Cenicienta" y "La Novicia Rebelde"), himno del club de fútbol Liverpool. Hacia el final del tema se escucha a la hinchada entonando su himno en el estadio. Del tema se escuchan las frases "And you'll never walk / alone / in the dark / alone" ("nunca caminarás solo, en la oscuridad, solo"), que notoriamente alude a la realidad de Barret en 1971 y al esfuerzo, infructuoso, de sus amigos por mantenerlo a flote.

El disco fue lanzado el 13 de Noviembre de 1971 y sería un éxito ( 3° en Inglaterra, 70° en Estados Unido) y dos años más tardes aún estaría en las listas de discos más vendidos en Inglaterra.

Escuhe Fearless:

Fearless

You say the hill's too steep to climb, climbing
You say you'd like to see me try, climbing
You pick the place and I'll choose the time
And I'll climb the hill in my own way
Just wait a while for the right day
And as I rise above the tree-line and the clouds
I look down hearing the sound
of the things you've said today

Fearlessly the idiot faced the crowd, smiling
Merciless the magistrate turns around, frowning
And who's the fool who wears the crown
No doubt in your own way
And every day is the right day
And as you rise above the fear-lines in his brow
You look down hear the sound of the faces in the crowd


Sin temor

Dices que la colina es muy empinada para escalar, escálala
Dices que te gustaría verme intentándolo, escalando.
Tu eliges el lugar y yo elegiré la hora
Y escalaré esa colina a mi manera
Sólo espera un momento por el día correcto
Y como me levante sobre las líneas de los árboles y las nubes
Miro abajo, escuchando el sonido
de las cosas que dijiste hoy

Sin temor, el idiota se enfrentó a la multitud, sonriendo
Sin piedad, el magistrado se volvió, frunciendo el ceño
¿Y quién es el tonto que usa la corona?
Y baja, en tu propia manera
Y cada día es el día correcto
Y como te levantas sobre las líneas del miedo en su ceja
Miras abajo, escuchando el sonido de las caras en la multitud.

Versiones de "Dark Side of the Moon"

(seguramente esta entrada se irá enriqueciendo con nuevas versiones que vaya encontrando por allí)

Todo lo que representa el álbum "The Dark Side of the Moon" (Pink Floyd, 1973) o "Dark Side of the Moon", como se llamó en la edición en CD de 1993, no necesita ser aclarado en este espacio. A cerca de cumplir 34 años, la obra sigue siendo un ícono no sólo del rock sino de toda la cultura del último cuarto del siglo XX. Aspectos medulares de la sociedad del momento (y también de la actual) se reflejan en el disco: la alienación, la urgencia del tiempo, la soledad y más...

Pero aquí sólo queremos reflejar el impacto del álbum, tanto en la carrera de PF como en la de otros artistas que han realizado versiones integras del disco, algo que no ha pasado con obras de otros autores. Extrañamente, la primera de esas versiones apareció antes de editarse el disco: mientras la banda lo presentaba en vivo, durante 1972, apareció un disco pirata que muchos llegaron a confundir con un disco oficial de PF y que llegó a vender cerca de 100.000 copias. Conocida la pulcritud con que los Floyd editaban sus discos (que para entonces tenían una frecuencia de dos años, prácticamente el doble que lo habitual para grupos de rock) , resulta evidente el desagrado que tal lanzamiento causó en la banda.

Versiones de Pink Floyd

- Original (1973)

¿Qué decir de esta obra que no se haya dicho? Editada 1973 (versión vinilo), remasterizada para la versión XX Aniversario en 1993 (esa es la que tengo en CD, cuya tapa vemos a la izquierda y puede compararse con la original del vinilo que aparece más arriba en esta entrada) donde el nombre se cambia a "Dark Side of the Moon" (sin el "The" al inicio), vuelta a editar en sonido 5.1 para el XXX aniversario en 2003. Si no conoce este disco se ha perdido uno de los pináculos de la cultura de finales del siglo XX. Acá lo puede conocer.



- Pulse (1995)


Disco en vivo oficial hecho por la banda post-Waters. Al igual que éste lo haría 12 años después, el PF Guilmour interpretaba en 1995 el álbum completo; años después saldría en DVD. Escuchelo pasando por aquí.






- En vivo en Wembley (1974)


El registro compartido corresponde al concierto del 17 de Noviembre de 1974 en Empire Pool, Wembley en Londres. El sonido proviene del soundboard, por lo que su calidad es excelente. Puede bajarse de aquí gracias al blog Watmourrett's Pink Floyd Site







- The Great Gig in Boblingen (1972)

Muy buen recital de Pink Floyd dado el 15 de noviembre de 1972, en El Sporthalle Boblingen de Alemania. El disco fue lanzado en un doble CD, y fue una presentación muy poderosa sobre lo que sería The Dark Side of the Moon (editado recién el año siguiente). El disco 1 incluye la versión integra de DSOTM y el disco dos temas anteriores (tomado del blog Zona Floyd).






- Radio BBC. Brian Damage (1974).

A raíz de una actuación de PF, presentando The Dark Side of the Moon en la Radio BBC, el 16 de noviembre de 1974, se graba este disco producido en Luxemburgo. Posee un sonido de muy buena calidad. Puede bajarse desde aquí, gracias al blog Zona Floyd.








- Roger Waters. Dark Side Of The Moon Live (2006/07)

Durante 2006 y 2007 Roger Waters realizó una gira mundial que incluso lo trajo por Sudamerica, y a Argentina en particular a mediados de marzo del 2007 (concierto que tuve la grandísima suerte de ver). En dicha gira Waters y su banda (algunos incluso ex-Floyd Guilmour) interpretaban íntegro DSOTM, tal como lo había hecho PF unos años antes. Por la red se consiguen varios de esos recitales, de los cuales dejamos aquí un par en calidad de muestra. Como dato anecdótico, el propio Nick Mason tocó en algunos de los recitales dados en EE.UU.


RW y Dark Side of the Moon en Argentina (en River, el 15 de marzo de 2007)
RW y Dark Side of the Moon en Chile

RW y Dark Side of the Moon en Manhattan (considerado uno de los mejores recitales de la gira. Grabado en el Madison Square Garden el 12 de septiembre del 2006)

Versiones de otras bandas

- Dream Theater (2005)

Una de las versiones más destacadas de DSOTM es la que ofreció durante su gira del 2005 la excelente banda de metal progresivo Dream Theater. Los músicos interpretan una aceitada versión donde demuestran ser eximios ejecutantes de sus instrumentos. Para la ocasión, la banda interpretó otros temas de PF. Puede evaluarse esta versión desde aquí y los otros temas desde aquí gracias al blog Stigma rest room.





- Dark Side of the Moon a Capella (2005)

Una de las versiones que más gratamente sorprende es "Dark Side of the Moon A Cappella", una versión solo con voces (sin ningún instrumento), realizada por ocho cantantes y un "percusionista vocal" (un noveno que con su voz se encarga de la percusión). Los intérpretes recrean maravillosamente la obra y por momentos uno olvida que son solo voces humanas. Una de las versiones más magistrales que se hayan hecho de DSOTM. Desde aquí pueden escucharse fragmentos de Time, The Great Gig..., Money y Eclipse. Y desde aquí puede bajarse el disco gracias al blog Stigma rest room.

- Return to the Dark Side of the Moon (2005).

Producido por Billy Sherwood (quien alguna vez tocara en Yes) se edita en 2005 este tributo que respeta fielmente la versión original. Lo más destacado de esta obra es el verdadero seleccionado de músicos que se dedican a interpretar las canciones de PF: los King Crimson Adrian Belew, Bill Bruford (quien toco en un par de lados mas, ¿no?), Tony Levin y Pat Mastelloto, los Yes Steve Howe, Tony Kaye, Alan White, Rick Wakeman y Peter Banks, los Asia John Wetton, Geoff Downes y Jay Schellen, y además Jeff Baxter (Steely Dan), Vinnie Colaiuta (Frank Zappa), Aynsley Dunbar (Frank Zappa), Larry Fast (Peter Gabriel), Gary Green (Gentle Giant), Robby Krieger (The Doors), Steve Lukather (Toto), Scott Page (Toto, PF en alguna ocasión), Steve Porcaro (Toto), Tommy Shaw (Sytx), Edgar Winter y Dweezil Zappa, entre otros. Si bien, como se dijo, la obra intenta mantenerse fiel a la original por momentos la impronta de los músicos se impone (piénsese, por ejemplo en la calidad de un Belew o de un Wakeman, por nombrar sólo a un par). Como dato totalmente anecdótico, al final se escucha un tema totalmente obviable del productor (¿cierto narcisismo descompensado lo habrá llevado a ponerse a la altura de Waters, Guilmour y compañía?). El disco puede encontrarse aquí gracias al blog Zona Floyd.

- The Moon Revisited (1995).

Con la misma idea que el tributo anterior (hasta aparece el mismo Billy Sherwood) pero realizado varios años antes y con músicos no tan conocidos (al menos por mi). Este disco es bastante conocido parece ser y puede ser bajado desde aquí, gracias al blog Stigma rest room.








- String Quartet. Tribute to Pink Floyd's The Dark Side of the Moon (2003).

Versión extraña realizada por este cuarteto de cuerdas. Así como en la versión a capella no hay instrumentos, aquí no hay voces... ni otros instrumentos que los del cuarteto. El disco puede bajarse desde aquí, gracias al blog Sus Rocks, o desde aquí, gracias al blog Stigma rest room.







- Easy Star All Stars. Dub Side of the Moon (2003).

Una de las versiones más extrañas y simpáticas es la que lanzó la compañía Easy Star que reunió a un seleccionado de sus mejores músicos y en el año del XXX aniversario de DSOTM editó un homenaje pero fiel a su estilo: ¡el reggae! Se nota que las mentes detrás de este proyecto conocían el álbum de PF de manera íntegra y profunda ya que los temas de "Dub Side..." contienen arreglos similares (hasta donde lo permite el cambio de estilo del rock progresivo al reggae), idéntica duración y los mismos sampleos entre tema y tema que resultan tan característicos de DSOTM. Igualmente hay lugar para algunas bromas como reemplazar los despertadores y campanas del inicio de Time por un gallo, o las máquinas tragamonedas de Money por sonidos de "encendedor, burbujas, tos, encendedor, burbujas, tos...". Desde aquí pueden escucharse Money, The Great Gig... y Us and Them y puede evaluarse el disco desde aquí gracias al blog Tuto's Blog. En suma, una edición interesante, aunque quizá deje a algunos fanáticos de PF mirando con cierta desconfianza.

- Mary Fahl - From the Dark Side of the Moon (2007)

Versión de esta cantante, compositora y actriz norteamericana, ambas (la versión y la cantante) totalmente desconocidas para mi hasta el momento (gracias al blog Rock Privado que paso el dato). Versión extraña no apegada a la original, con aires new age, y la prodigiosa voz contralto de la tal Fahl. La grabación finalizó en setiembre de 2006 para V2 Records. Según la autora, este álbum "re-imagina" el clásico disco de los PF. Fue producido por Mark Doyle y David Werner y puede ser bajado desde aquí.

Obra cumbre: El lado oscuro de la Luna (PF, 1973)

En enero de 1973 (¡se están cumpliendo 35 años!) se terminaba de grabar la obra cumbre de Pink Floyd: "The Dark Side of the Moon". El álbum había sido compuesto durante los primeros meses de 1972 y las grabaciones habían comenzado en junio de ese año. Finalmente se editaría el 24 de marzo de 1973, marcando un hito en la historia de la música popular y manteniéndose en la lista de discos más vendidos por años y años.

En "The Dark Side..." los Floyd muestran muchas de las obsesiones que los perseguirían a lo largo de su carrera. En particular, se muestran las presiones de la vida moderna: la urgencia por el tiempo, los aspectos sucios del dinero, el despropósito de la guerra, entre otros dislates de nuestro tiempo que bien pueden llevar a la locura. Las canciones, sin relación aparente entre sí, se van encadenando cadenciosamente. El disco no ha envejecido, ni en su temática ni en su sonido, y es siempre una aventura excitante sentarse a escucharlo. Aquí, P.F. pule a la perfección del cristal, los sonidos espaciales que ya los acompañaban desde la época de la psicodelia, cuando eran liderados por el genio loco de Syd Barret.

Y no casualmente, y al igual que en toda la obra de Pink Floyd, podemos encontrar en esta pieza maestra las alusiones a Barret y a su triste destino: "El lunático está en la hierba. Recordando juegos, guirnaldas de margaritas y risas. Hay que mantener a los locos en vereda", canta Rogers Waters en "Brain Demage" (Daño cerebral). Y la locura de Barret, un poco la locura de todos en un mundo desquiciado, se emparenta mucho con la soledad: "Y si la nube estalla atronando en tu oído, gritas y nadie parece oír, y si la banda en la que estás comienza a tocar diferentes melodías, nos veremos en el lado oscuro de la Luna". Y la banda hacía tiempo ya que tocaba melodías diferentes a la de Syd. Y la esperanza de encontrarse en ese lugar lejano, inaccesible, inexistente, no hace más que reforzar el sentimiento de aislamiento que deja toda la obra, aislamiento que volveremos a encontrar en "Wish you were here" (obviamente dedicado a Barret) de 1975 y en la colosal "The Wall" de 1979 (no menos basada, al menos en parte, en el antiguo líder).

En "The Dark Side..." Pink Floyd destila pesimismo, un sino trágico que va más allá de las derrotas ocasionales: "Y corres y corres para ir a la par con el Sol, pero él se está hundiendo y girando rápidamente para de nuevo elevarse detrás de ti. El Sol es el mismo de un modo relativo, pero tú eres más viejo, tu respiración es más corta y estás un día más cerca de la muerte. Cada año se hace más corto, nunca pareces encontrar tiempo. Planes que se quedan en nada o en media página de líneas garabateadas" ("Time").

Y la sensación de derrota, de vacío, de soledad, cubierto todo por el pesimismo floydiano, ocupa hasta el último resquicio de esta obra. En "Eclipse", último tema del álbum (y el nombre que supuestamente éste iba a tener), se van hilvanando palabras e ideas escuchadas anteriormente: "all you touch and all you see" ("Breathe") o "all you buy, beg, borrow, steal" ("Money"). "Y todo lo que tocas, todo lo que ves, todo lo que compras, mendigas, robas o pides prestado y todo cuanto hay bajo el Sol está en armonía", dice Waters, pero en su pintura de la alienación de Barret (y un poco la suya propia) da su última pincelada de pesimismo agregando inmediatamente "pero el Sol es eclipsado por la Luna", dando punto final al álbum.

"The dark side..." se consigue fácilmente en la red (si bien este es un disco que si o si hay que tener) y existen además diferentes versiones tanto de Pink Floyd como de otros conjuntos que decidieron homenajearlos, a las que se puede acceder desde este blog.

30 años de un album Vital

Vital - Van der Graaf (1978)

Los días 15 y 16 de enero de 1978 Van der Graaf brindaba un par de recitales en el club Marquee de Londres. El recital del día 16 fue editado en un álbum, Vital, que apareció el 1º de julio en Canadá y el 15 del mismo mes en Inglaterra y Estados Unidos.

Vital resulta una obra fundamental no sólo del sonido Van der Graaf sino de la música del último cuarto del siglo pasado. Este álbum muestra una histórica actuación de la banda y deja un registro de lo mejor del grupo, que ha resistido gallardamente el paso del tiempo. Oscuro, denso, por momentos violento el sonido VDG anticipó las movidas punk y dark que ya estaban explotando para los tiempos de Vital, obra representativa de ese sonido.

La banda, que había acortado su nombre (de Van der Graaf Generator) tiempo antes, también había cambiado su formación: el violinista Graham Smith (de la Orquesta Sinfónica de Islandia) había reemplazado al tecladista Hugh Banton y Charles Dickie, amigo de Peter Hammill y profesor de cello clásico, se había hecho cargo del cello, el piano eléctrico y el sintetizador. El grupo se completaba con Nick Potter (que regresaba al grupo) en bajo, Guy Evans en batería (quien además produjo el disco), Peter Hammill en voces (otro instrumento, como ya hemos dicho), guitarra y piano y como invitado otro ex VDGG, David Jackson en saxos y flauta. Luego de este disco el grupo se separaría (si bien fueron frecuentes las participaciones de sus antiguos compañeros en los proyectos solista de PH) hasta la edición de Present en 2005 y de el el álbum doble en vivo, en el Royal Festival Hall, Real Time en 2007.

Hasta la edición de Vital el grupo no tenía ni un álbum doble (como salió originalmente en vinilo) ni uno en vivo, y este disco de despedida sirvió a ambos propósitos. La grabación fue hecha en una sola toma, tal como se escuchó en el Marquee esa noche, y en la tapa los músicos (¿o PH?) se encargan de aclarar que no se utilizó ninguna sobregrabación.

Resulta difícil destacar algún tema en una obra de excelente factura. A mi entender, los puntos más altos resultan ser los temas "Mirror Images" y el medley con partes de "A plague of Lighthouse Keepers" y de "The Sleepwalkers" (que originalmente ocupaban el Lado B del primer vinilo), el clásico del rock ciencia ficción "Pioneers Over C", y "Door", un tema nuevo y experimental que en partes se convierte en un rock furioso. También deben citarse las versiones de "Still Life" (con una introducción de cello y violín) y de "Last Frame" pero claro, ya casi estaríamos citando toda la obra.

Como detalle curioso e interesante pueden escucharse los aplausos durante la finalización de los temas: si bien se prolongan en alguna ocasión siempre resultan tenues lo que permite supone una escasa audiencia presenciando el concierto (hasta casi se puede contar la gente que está aplaudiendo o vivando). Esto no resulta extraño, ya que el sonido VDG, como el de VDGG o el de PH, no parece como para grandes multitudes ávidas de su rock star. Hay que vencer la resistencia que ofrecen tanto la música de la banda cuanto la voz de Hammill para disfrutar esta música para paladares exquisitos.

Extrañamente la versión original en CD (de un solo CD), publicada en Europa, no incluía los temas "Sci-Finance" y "Nadir's Big Chance", barbaridad subsanada en una edición japonesa de dos CD realizada en el año 2005.

Temas (versión CD japonesa):
CD 1
01. Ship of Fools -6:43- (Hammill)
02. Still Life -9:42- (Hammill)
03. Last Frame -9:02- (Hammill)
04. Mirror Images -5:50- (Hammill)
05. Medley: A Plague of Lighthouse Keepers /Sleepwalkers -13:41- (Hammill)
CD 2
06. Pioneers Over c -17:00- (Hammill/Jackson)
07. Sci-Finance -6:16- (Hammill)
08. Door -6:00- (Hammill)
09. Urban / Killer / Urban -8:20- (Hammill/Smith)
10. Nadir's Big Chance -7:00- (Hammill)

Temas (vinilos originales 1978):
Disco 1 lado 1
1. Ship Of Fools
2. Still Life
3. Last Frame
Disco 1 lado 2
1. Mirror Images
2. Medley (Parts Of ‘A Plague Of Lighthouse Keepers’ And ‘The Sleepwalkers’)
Disco 2 lado 1
1. Pioneers Over C
2. Sci-Finance
Disco 2 lado 2
1. Door
2. Urban
3. Nadir’s Big Chance

La versión europea del CD se conseguía con E-Mule o puede bajarla desde aquí gracias al blog Don't Kill the Music

Vital desde la página oficial de PH SofaSound

VDG del 78 haciendo "Mirror Images"

(la calidad no es muy buena pero es un documento)

Un tema (Wish You Were Here, PF)

En julio de 1975 Pink Floyd terminaba con la grabación de "Wish You Were Here", el álbum que continuaría a "The Dark Side of The Moon" de 1973, que se editaría en setiembre de ese mismo año.

Y así como en el disco anterior los Floyd sorprendieran cambiando a último momento el nombre de una obra que iba a llamarse "Eclipse" (hasta circularon discos piratas con ese nombre), ahora "Wish You..." reemplazó, también a último momento, a "Shine On You Crazy Diamond", denominación elegida en primera instancia y que corresponde al nombre del tema que ocupa la mayor parte del álbum. "Wish you were here" es una balada acústica originalmente grabada en el Lado 2 del disco de vinilo.

Y el cambio no es ocioso. El tema, como el álbum, es un canto a la soledad tanto como un llamado al amigo que no está. Y el amigo, obviamente, es Syd Barret (o Roger Keith Barrett, como se llamaba), antiguo fundador y líder de P.F. que había abandonado la banda años antes consumido por la esquizofrenia y las drogas psicoactivas (en especial LSD) que lo consumieron al punto de no poder asistir a sus recitales o de asistir sin poder tocar dos notas seguidas correctamente (incluso en un breve lapso, P.F. fue un quinteto cuando ingresó David Guilmour).

Sin embargo, Barret, que asistió a las últimas sesiones de grabación de "Wish you...", siempre fue una presencia aún en su ausencia, siempre estuvo cerca del resto de los Floyd aunque al mismo tiempo estuviera tan lejos. Y por eso el desgarrante "deseo que estuvieras aquí" que grita Waters. O el desesperanzado "nadie sabe dónde estás, si cerca o si lejos" ("Shine on..."). Por eso la presencia de Barret en toda la obra floydiana sería constante.

Es que la soledad, sabiendo que existe quien puede ser la compañía, resulta más soledad cuando notamos que esa persona no está. Tal parece ser el mensaje que quiere transmitirnos Roger Waters con esta obra.

Más allá de lo que cueste encontrar a una persona extraordinaria, siempre será mucho más difícil olvidarla, podríamos agregar acá.

Dedicado a todos los que tienen alguien para decirle: "Cómo deseo que estuvieras aquí".

Wish you Were Here.

So, so you think you can tell
Heaven from Hell, blue skies from pain?
Can you tell a green field from a cold steel rail?
A smile from a veil?
Do you think you can tell?
And did they get you to trade your heroes for ghosts?
Hot ashes for trees?
Hot air for a cool breeze?
Cold comfort for change?
And did you exchange a walk on part in the war
for a lead role in a cage?
How I wish, how I wish you were here.
We're just two lost souls swimming in a fish bowl,
year after year,
Running over the same old ground.
What have we found?
The same old fears.
Wish you were here.

Deseo que estuvieras aquí.

Así, así que crees que puedes llamar cielo al infierno, cielos azules al dolor.
¿Puedes llamar verde campo a un frío riel de acero?, ¿sonrisa a un velo?
¿Piensas que puedes decirlo?
¿Y consiguieron que cambiaras tus héroes por fantasmas?
¿Cenizas ardientes por árboles?, ¿aire caliente por fresca brisa?
¿Frío confort por monedas?
¿Y canjeaste un papel en el frente de guerra por un rol principal en una jaula?
Cómo deseo, cómo deseo que estuvieras aquí. No somos más que dos almas
perdidas nadando en una pecera, año tras año. Recorriendo el mismo viejo
terreno. ¿Qué hemos encontrado?
Los mismos viejos temores. Deseo que estuvieras aquí.

Les dejo una versión actual del tema interpretado por Roger Waters y Eric Clapton

(Syd fallecería, finalmente, el 7 de Julio del 2006)