Experimento exitoso

Liquid Tension Experiment - I (1999)

Cuenta la leyenda que corría el año 1997 y la grabadora Magna Carta le ofrece al baterista Mike Portnoy, a la sazón integrante de Dream Theater (uno de los números de la discográfica) la posibilidad de crear un supergrupo, de corte progresivo instrumental, a su entero gusto. Portnoy entonces citó al eximio bajista de King Crimson Tony Levin, excelente ejecutante de Stick, al mismo tiempo (escúchese por ejemplo "Paradigm Shift" u Osmosis"), a su amigo el tecladista Jordan Rudess y a su compañero de D.T. el guitarrista John Petrucci. Vale decir, el baterista se tomó en serio lo de "supergrupo" y diseñó una banda que se las traía: Liquid Tension Experiment (LTE).

El 10 de marzo de 1998 se edita el primer opus de la banda, titulado simplemente "I", escrito, ensayado y grabado, según se cuenta, en sólo una semana. Amantes de la música progresiva no podrán menos que deleitarse con este álbum bello, complejo, perfecto y brillantemente ejecutado. El "experimento" muestra una faceta más elaborada que la que venía haciendo D.T. por esos entonces.

Si para botón vasta una muestra, puede escucharse, por ejemplo, el tema que habre el disco "Paradigm Shift", el que permite a la banda mostrar sus reconocidas dotes de instrumentistas. "Osmosis", en una onda más calma, también es otro de los puntos destacados del disco, al igual que "Freedom of Speech" o la bella "State of Grace" donde Petrucci muestra (una vez más) se inigualable buen gusto con la guitarra. En rigor, como hemos dicho para otros álbumes de este blog, todos los temas merecen ser destacados.

La historia de LTE se continuaría en 1999 con el disco titulado "II" y luego, cuando Rudes se decide a ingresar finalmente a D.T. (donde aún permanece) para la grabación de "Metropolis Parte 2: Scenes From a Memory", LTE ya no tenía mucha más razón para seguir existiendo con tres de sus integrantes compartiendo la formación de esa otra banda. Una lástima...

Lista de temas:

Paradigm Shift (8:54)
Osmosis (3:26)
Kindred Spirits (6:29)
The Stretch (2:00)
Freedom of Speech (9:19)
Chris and Kevin's Excellent Adventure (2:21)
State of Grace (5:01)
Universal Mind (7:53)
Three Minute Warning (28:31)

Escuche "State of Grace"


"Paradigm Shift" en Youtube


LTE I gracias al blog Rock On!

De vuelta al ruedo

Brian Eno - "Another Day on Earth" (2005)

De la obra de Brian Eno como compositor de canciones nos hemos ocupado hace un par de entradas. En esta ocasión habremos de referirnos al último opus de esa obra, aparecido casi 30 años después del anterior. En efecto, luego de "Before and After the Scienc" de 1977 hubo que esperar hasta el año 2005 para que Eno nos deleitara con un nuevo disco de canciones: "Another Day on Earth".

En "Another..." Eno nos ofrece un puñado de bellas canciones matizadas por sus infaltables toques ambient y rebozantes de los nuevos alcances de la tecnología al servicio del sonido. La voz de Eno se suma a la perfección a esa pared de sonidos que nos ofrece su música.

"This" abre el álbum bien arriba, una bella melodia sostenida por los sonidos ambient de Eno, lo que resulta más patente en el segundo tema, "And Then So Clear", tema mas calmo y relajado (bien al estilo de las anteriores canciones) que nos trae la voz de Eno distorsionada sonando por el Vocoder, recurso también usado en "Bottomliners", lo que le da al cantante una voz algo robótica, quizá no demasiado alejada del espíritu del disco.

Luego encontramos canciones más bien suaves, matizadas por los sonidos de Eno y su voz, nunca del todo limpia sino más filtrada por alguno de sus aparatos. En esta onda encontramos, por ejemplo, a "Going Unconscious" y a "Caught Between" (tema minimalista, donde la voz de Eno se escucha como de fondo, y tiene un aire a "By This River" de "Before and After Science" de 1977) .

Del resto se destaca, a mi entender, la bella "How Many Worlds" con un toque más acústico que va virando hacia un despliegue más instrumental clásico (¿sonidos reales, sampleados o sintetizados?, como saberlo...). De ser Eno un músico "radioefemísitico" (neologismo por "músico que hace temas para que se los pasen por FM") este tema sería uno de los cortes del disco (y "This" el otro).

"Just Another Day", que se relaciona con el título del álbum, es otro de los temas bien logrados. "Es sólo otro día en la Tierra..." como dice su letra.

El disco se cierra con la hipnótica "Bone Bomb" con Aylie Cooke recitando versos de varios poetas, cambiando la métrica original de los poemas, todo con un aire muy a lo Laurie Anderson.

Obviamente que el disco está magistralmente grabado y arreglado, como no cabría esperar otra cosa de manos de alguien que revolucionó parte de la música del último cuarto del siglo XX, llevando a lo más alto de su producción a un buen número de bandas. Fue editado por Hannibal Records y apareció el 13 de junio del 2005. La fotografía y el arte de tapa son del propio Eno.

Creo que ese un disco que merece ser escuchado ya que su originalidad impide catalogarlo diciendo algo así como "es parecido a..." o "suena como...".

Escuche "This":


Escuche "Bone Bomb":


Escuche "Going Unconscious":

"Another Day on Earth" en EMule
Brian.Eno.-.[Another.Day.On.Earth].(2005).(EAC.APE].rar
Brian Eno - 2005 - Another day on earth.zip

Lista de canciones (y de invitados):

1 This (3:33)
Guitar - Leo Abraham
2 And Then So Clear (5:49)
Keyboards [Triton] - Jon Hopkins
3 A Long Way Down (2:40)
Guitar - Leo Abrahams , Steve Jones
4 Going Unconscious (4:22)
Loops [Pulse Loop] - Brad Laner
Voice [Spoken] - Inge Zalaliene
5 Caught Between (4:25)
Guitar [Lead] - Leo Abrahams
Lyrics By - Brian Eno, Co-lyricist - Danny Hillis , Eck Ogilvie-Grant
6 Passing Over (4:25)
Guitar [Space Signal Guitar] - Steve Jones
7 How Many Words (4:47)
Lyrics By - Brian Eno, Co-lyricist - Michel Faber
Violin - Nell Catchpole
8 Bottomliner (3:59)
Piano, Synthesizer [Drone], Drums - Peter Schwalm
9 Just Another Day (4:21)
Composed By - Peter Schwalm
Loops - Brian Eno , Peter Schwalm
10 Under (5:19)
Drums - Willie Green
Effects [Occasional Signals] - Dino (8)
Effects [Splutters] - Barry Andrews
11 Bonebomb (3:09)
Voice - Aylie Cooke

Un tema (Dolcissima Maria, por Premiata Forneria Marconi)

Premiata Forneria Marconi, PFM para los amigos, ha sido y es una excelente banda de rock progresivo no inglés (o italiano, para el caso). En una entrada anterior ya hemos hablado algo de ellos. Su salto a la fama lo dan hacia 1973 cuando graban el disco "Photos of Ghost" bajo el sello Manticore, en Inglaterra. Lo extraño del caso es que el (casi) mismo disco había sido editado en Italia el año antes con el nombre de "Per un amico". La historia dice que PFM llama la atención de Greg Lake en una gira por Italia de ELP (Emerson, Lake and Palmer, por supuesto). Este ayuda a que la banda firme para Manticore y edite "Per un amico" en Inglatera, pero con letras nuevas (no traducciones) escritas por Peter Sinfield, a la sazón letrista oficial de King Crimson. Así sale a la luz "Photos of Ghost".

El próximo álbum italiano de PFM fue "L'isola di niente" de 1974, que también tuvo su correspondiente versión inglesa del mismo año titulada "The World Became the World" (nuevamente con letras de Sinfield).

En verdad, musicalmente fue más lo que PFM perdió con su "mudanza" a Inglaterra, que lo que ganó. Por eso sus álbumes siguientes, ingleses ya, comenzado por "Chocolate Kings" de 1975, no fueron lo que sus ilustres antecesores genuinamente italianos. Por eso también, con el paso del tiempo la banda se "italianisaría" de nuevo y en los recitales sus viejos temas serían los italianos. Pero claro, supongo que la fama mundial (que PFM no conseguiría quedándose en Italia a comienzos de los 70') debe haber sido un buen incentivo.

El bello tema que nos ocupa, "Dolcissima Maria" (se llamaría "Just look away" en inglés), apareció en "L'isola de niente" . La formación de la banda para entonces era la siguiente:

- Franz Di Cioccio: batería, sintetizador Moog, voces.
- Franco Mussida: Guitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra de doce cuerdas, mandolina, voces.
- Mauro Pagani: flauta, violín, voces.
- Patrick Djivas: Bajo, voces.
- Flavio Premoli: Teclados, Melotrón, clave, piano, sintetizador Moog, voces.

Escuche la versión original de "Dolcissima Maria":



Con algunas interrupciones, la banda siguió tocando y en 2002 edita el DVD "Live in Japan" donde encontramos una nueva pero igualmente sentida versión de "Dolcissima Maria" (y no de "Just Look Away", obviamente). Para esta ocasión PFM estaba compuesto por:

- Franz Di Cioccio: voz lider, batería
- Flavio Premoli: teclados, voces
- Franco Mussida: guitarras, voces
- Patrick Djivas: bajo (flauta en el tema)
Invitados:
- Lucio Fabbri: violín, teclados, guitarras
- Pietro Monterisi: batería

Escuche esta versión:



o disfrute el video del tema


Dolcissima Maria
(F.Mussida-F.Premoli-M.Pagani)

Dolcissima Maria
Dolce Maria
dimentica i fiori
dipinti dal tempo
sopra il tuo viso,
e gli anni andati via
seduta ad aspettare
una lunga, lunga via
nessuno da incontrare...
Non voltarti piu

E ii giorno arriverà
vestito di poesia
ti parlerà di sogni
che non ricordavi piú,
e ti benedirà
dolcissima Maria

Dolce Maria
dagli occhi puliti
dagli occhi bagnati
è tempo d'andare:
è presto sentirai
profumo di mattino
e il tordo canterà
volandoti vicino...
non voltarti piú.
E qualcuno se vorrai
vestito di poesia
ti coprirà d'amore
senza chiederti di piú,
e t'accarezzerà
dolcissima Maria

Dulcisima Maria

Dulce Maria
olvidas que las flores
son pinturas del tiempo
sobre tu rostro,
y los años por andar
sentada a esperar
un largo, largo camino
ninguno conoces...

No te vuelvas mas.

Y el dia llegara
vestido de poesia
te hablara de sueños
que ya no recordabas
y te bendecira
dulcisima Maria

Dulce Maria
la de los ojos limpios
la de los ojos humedos
es tiempo de andar:
y pronto notaras
el perfume matinal
y el tordo cantara
volando junto a ti...

No te vuelvas mas.

Y alguno si quiere
vestido de poesia
te colmara de amor
sin hacer mas preguntas
y te acariciara
dulcisima Maria.

PFM siglo XXI

Brian Eno: escritor de canciones

Brian Eno (5 de mayo de 1948), o más exactamente Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno, pero conocido simplemente como Eno, es uno de los personajes más brillantes e incalificables de la música contemporánea ("del rock" le quedaría estrecho). Desde sus inicios como tecladista de Roxy Music a comienzos de los '70 mucho es lo que ha aportado a la música. Principalmente son conocidos sus trabajos como productor que incluyen discos de artistas como David Bowie, Talking Heads, los mejores discos de U2 o el último de Coldplay. También es conocida su labor como músico ambient (se le atribuye la creación del término), que incluye obras con otro músico brillante: Robert Fripp. Pero en esta ocasión vamos a dedicarnos a una faceta menos explorada de su creación: sus discos de canciones, que muestran a Eno como vocalista. La primera obra solista de Eno está compuesta por una tetralogía editada entre 1974 y 1977 ("Here Come the Warm Jets" y "Taking Tiger Mountain (By Strategy)", de 1974, "Another Green World", de 1975, y "Before and After Science", de 1977). Tuvieron que pasar cerca de 30 años para que Eno volviera a este formato de música con la edición de "Another Day on Earth" en 2005 (existen también algunos aportes al grupo 801 que compartiera con su ex-compañero de Roxy Music Phil Manzanera).

Los discos de canciones de Eno resumen buena parte de la historia del rock a lo que se suma sus experiencias con el tratamiento de sintetizadores y cintas, dando por resultado obras fascinantes que han superado gallardamente el paso del tiempo.

"Here Come the Warm Jets" (1974) fue el primer disco de Eno post su expulsión de Roxy Music y muestra el camino que la banda podría haber tomado si le hubieran dado lugar a sus ideas. Eno, nunca un consumado instrumentista, aquí es una especie de director de orquesta de músicos tales como Robert Fripp y Phil Manzanera (coautor en un par de temas) en guitarras, Nick Judd y Andy Mackay en teclados (también colabora con el saxo), John Wetton y Bill McCormick en bajo, y Simon King y Paul Thompson en bateria. Eno canta y toca ocasionalmente teclados y algunos otros instrumentos. El disco fue grabado en setiembre de 1973 y alterna rocks fuertes como "Baby's on fire" (con la frenética voz de Eno y la excelente guitarra de Fripp) o "Blank Frank" con temas más melódicos con una atmósfera que anticipa lo que sería su vertiente ambiente unos años después, como "On some Farawey Beach", "Dead Finks Don't Talk" o "Some of them are Old". El resultado muestra una mezcla heterogénea de temas con la voz de Eno como factor común.
Here comes the Warm Jets gracias al blog Listen the Silence

En "Taking Tiger Mountain (By Strategy)" (1974) Eno toma una línea más melódica. El nombre del disco surgió en ocasión de un viaje de Eno por la Costa Oeste de los EE.UU. Allí ve en una vidriera unas postales con escenas de una película musical china con ese nombre. Dice Eno : " 'Montaña del Tigre' [Tiger Mountain] tenía un sabor medieval, casi folklórico, mientras que 'Con estrategia' [By Strategy] invocaba algo moderno, técnico". Eno compró las postales y comenzó a madurar las ideas que tomarían forma en el disco. A su regreso, en febrero de 1974, se enfrascó con cientos de cintas y fragmentos de grabaciones que venía atesorando durante los últimos 10 años. Para esta ocasión Eno contó con una banda formada por su amigo Phil Manzanera en guitarras (que actuó como una suerte de co-productor o co-autor, incluso firma uno de lo temas con Eno), Brian Turrington en bajo, el Soft Machine Robert Wyatt en percusión y coros, y el propio Eno en teclados, guitarra snake y "electronics". Además contó con invitados tales como Andy Mackay o el Génesis Phill Collins, entre otros. Entre los temas destacan "The Great Pretender" (con un ritmo hipnótico y donde Eno se luce con sus "electronics"), "Third Uncle" (con una potente entrada de bajo, sería un clásico de los recitales de la banda 801), la casi canción de cuna "Put A Straw Under Baby" y la suave melodía "Taking Tiger Mountain" (que cierra el álbum). El disco fue grabado en setiembre de 1974 en Island Studios de Londres y editado en noviembre del mismo año. La carátula fue diseñada por el artista alemán Peter Schmidt.
Taking Tiger Mountain gracias al blog Listen the Silence

A comienzos de 1975, Eno sufre un accidente automovilístico (fue atropellado por un taxi) por el cual estuvo internado e incluso padeció de cierta desorientación por momentos, lo que le produjo el temor de que su cerebro hubiese sido dañado por el choque. En esa situación ocurrió un hecho que en gran parte llevó a la creación de la música ambiental . Lo cuenta el propio Eno: "Estaba en un cuarto oscuro y afuera llovía a cantaros. Una amiga me había traído un LP clásico. Era un disco muy tranquilo y, entre la mezcla de cansancio y calmantes, yo lo oía como si nunca hubiese escuchado música antes. Realmente, una hermosa experiencia. Fue allí cuando empecé a pensar en la música "enviromental", música construída especialmente como fondo (entrevista aparecida en la legendaria revista "Expreso imaginario", con traducción del gran Alfredo Rosso). En otra entrevista (J. Blánquez y O. Morera (coord). "Loops. Una historia de la música electrónica". Barcelona: Mondadori, 2002) Eno agregaba: "Mi amiga Judy Nylon me visitó y me trajo un disco de música de arpa del siglo XVIII. Después de que se marchase, y con bastante dificultad, puse el disco. Cuando ya estaba acostado, me di cuenta de que el volumen era extremadamente bajo y que uno de los canales del estéreo no funcionaba. Como no tenía la energía suficiente para levantarme y arreglarlo, el disco era casi inaudible. Estaba acostado en una semipenumbra, y entonces empecé a escuchar ese disco como nunca antes había escuchado música alguna. Era realmente una experiencia muy bella. Tenía la sensación de icebergs. No podía oír más que ocasionalmente los fragmentos más fuertes de la música, no percibía más que pequeñas ráfagas de notas que me llegaban por encima del ruido de la lluvia de afuera, y enseguida volvían a marcharse a la deriva." [...] "Al principio encontraba que la música experimental contemporánea era demasiado intelectual e ignoraba la posibilidad de llamar a los sentidos, mientras que el rock iba en dirección opuesta. De este modo imaginé algo que se situase entre las dos cosas, algo que fuera extremadamente bello pero no empalagoso, de modo que se pudiera abordar a diferentes niveles, sea escuchándolo con atención, sea dejándolo como un sonido de fondo".

Estas ideas llevaron a Eno a interesarse en la música de películas, las cuales, decía, no tienen foco, no tienen un núcleo central porque éste está en la pantalla. De allí comenzó a sustraer el foco de su música, lo que se puede apreciar en su siguiente disco "Another Green World".

"Another Green World" (1975), el primero de mis discos de Eno, resulta a mi entender el álbum más logrado de esta etapa del artista. Una rica lista de temas, canciones y también instrumentales, que no guardan demasiada relación con ninguna de las corrientes del rock de la época pero que sin dudas constituyen una obra interesante y excitante se la mire como se la mire. En este álbum Eno utiliza varios músicos que participan en diferentes temas. Phil Collins (limitándose a tocar la batería y sobre todo a no componer), el eximio Percy Jones (compañero de Collins en Brand X) en bajo fretless, John Cale en viola, su viejo amigo Robert Fripp en guitarras, entre otros, conforman una destacada banda. Aquí resulta más difícil señalar temas ya que todos ellos son de gran factura. Desde el extraño "Sky Saw" que abre el disco o la canción "St. Elmo's Fire" interpretada por Eno con sus aparatos y la guitarra Wimshurst de Fripp. También destacan los temas instrumentales donde Eno se hace cargo el solo de los instrumentos como "In Dark Trees", "The Big Ship" o el potente "Sombre Reptiles". "Golden Hours" resulta una linda melodia de ritmo entrocortado interpretada por el trio de Fripp en guitarra, Cale en viola y Eno en voz y teclados. En "Becalmed" y en "Zawinul/Lava" (aquí con los magníficos aportes de Collins, Jones, Paul Rudolph en guitarra y Rod Melvin en piano Rhodes) Eno adelanta lo que serán sus caminos por la música ambient. Mención especial para la bella "I'll Come Running" no sólo el mejor tema del disco sino uno de los más logrados de la discografía de Eno a mi entender. Se destaca en este tema el piano de Rod Melvin y sobre todo la impresionante (adjetivo muy utilizado últimamente en los medios pero que aquí se ajusta perfecatmente) guitarra de Fripp. El disco se grabó durante los meses de julio y agosto de 1975 también en los Island Studios y fue editado en el mes de setiembre. La tapa del álbum es un detalle del cuadro "After Ralph" del artista Tom Phillips.
Escuche "Golden Hours":



Another Green World gracias al blog Stupid and Contagious

Luego de "Another..." deberían pasar casi dos años para que Eno sacara otro álbum de canciones. Sin embargo en este período estuvo muy activo en otros proyectos como el disco de música electrónica junto a Robert Fripp "Evening Star", su disco también electrónico "Discreet Music", o colaboraciones con John Cale, con el David Bowie de Low, u con 801, entre otros. En estos años Eno llevó adelante de forma intensa su trabajo experiemental con los sonidos sintetizados que serían su marca personal. Finalmente en 1977 saldría el que sería su último disco de canciones por casi tres décadas.

"Before and After Science" (1977) sigue la tónica iniciada en "Another..." y ofrece una serie de temas densos y otros de pasajes más calmos si bien oscuros. En líneas generales, los primeros corresponden a la cara A del disco de vinilo (temas 1 a 5 del CD) y los segundos a la cara B (del 6 al 10). Phil Collins y Percy Jones vuelvena a constituir la base rítmica en algunos de los temas y después participan Paul Rudolph en bajo y guitarra rítmica, Dave Mattacks en batería, Fred Frith en guitarra, y los viejos amigos Robert Fripp y Phil Manzanera, entre otros (músicos que, como dice Eno, normalmente no tocarían juntos o no serían elegidos para esos temas). Eno se encarga de las voces, teclados, sintetizadores varios y se anima con la guitarra en un par de temas. Del lado A puede nombrarse la potente "Backwater" o la instrumental "Energy Fools the Magician". El lado B (mi preferido) suena sugerente, plagado de climas de la música electrónica de Eno, y llega a emocionar en diferentes momentos. Esuchése, por ejemplo el tema que cierra el álbum "Spider and I" ejecutado sólo por el bajo de Brian Turrington y la voz y los sintetizadores de Eno. Una mención especial merece la bella melodía de "By this River" que Eno firma junto al duo alemán de música electrónica Cluster (Achim Roedeluis y Mobi Moebius). Este tema fue utilizado por el cineasta italiano Nanni Moretti en su película "La stanza del figlio" (La habitación del hijo) del año 2001. El disco se grabó en Basing Streer Studios de Londres, y se editó en el mes de diciembre de 1977. La tapa muestra una imagen de Eno con iluminación Rembrandt, fotografía de Ritva Saariko, y la contratata se ilustra con cuatro acuarelas de Peter Schmidt: The Road and the Crater, Look at September, Look at October, The other house y Four Years.

Escuche "By this River":

Before and After the Science gracias al blog Jazz-Rock-Fusion-Guitar

Deberían pasar casi 30 años para que Brian Eno sacara otro discos de canciones, dentro de su prolífica obra como músico y como productor. Se trata del muy buen álbum "Another Day on Earth", del año 2005. Pero esto es ya otra historia.

La verdad desnuda

Let it Be Naked (1969 o 1970 o 2003)

Para comienzos de 1969 las cosas no andaban muy bien en el campamento Beatle. El hecho de no tocar en vivo desde 1966, época en la que además sus recitales distaban bastante de la música que el grupo estaba haciendo en estudio, ayudaba a ese malestar. Para entonces, el grupo se encontraba ensayando los temas de su próximo álbum, en medio de discsuiones constantes y pésimos resultados. Hasta que a George se le ocurrió que subieran con todo y equipos a la azotea del estudio donde estaban grabando para tocar para el público que ocasionalmente se acercara y grabar el disco a la vieja usanza, es decir de una sola toma, tal como saliera. Era una manera de volver a las cosas simples y al contacto directo con el público, dos de los pilares en los inicios de la banda. Entonces, de manera sorpresiva, el 30 de enero de 1969 los cuatro Beatles juntos al tecladista Billy Preston subieron a la azotea de los estudios Apple Corps. (su propia corporación), en Londres, para lo que sería su última actuación en vivo. El mítico concierto, filmado por Michael Lindsay-Hogg, duró poco, se advierte la tensión y las constantes discusiones entre los músicos, y alguien realizó una denuncia por ruidos molestos y hasta la llegada de la policía se observa en la película que se filmó: Let it Be.

Con las tomas grabadas previamente en estudio y con lo obtenido del concierto, The Beatles ya disponían de suficiente material para su nuevo álbum. Sin embargo comenzarían los inconvenientes. Su histórico productor, George Martin (algo así como el quinto beatle) se negó a hacerse cargo del desorden de las miles de horas de grabación, la mayor parte de material desechable. En cambio, les propuso volver a reunirse y trabajar como en los viejos tiempos en un nuevo disco. El grupo aceptó dando así inicio a lo que sería el último disco que grabaría la banda, Abbey Road, editado el 26 de setiembre de 1969. Más no sería este el último trabajo publicado. Aún quedaban las grabaciones del disco que iba a llamarse Get Back, aludiendo a la vuelta a las raíces rockeras y simples del grupo, simpleza que ya se había perdido por el camino.

Todo el material, a pedido de Lennon, fue entregado entonces a otro productor, Phil Spector, que había adquirido cierta fama por su "pared de sonidos" que consistía en agregar una "pared" de sobregrabaciones de cuerdas y coros a sus trabajos. Spector, entonces, produjo lo que sería el último disco de The Beatles. La tarea, al parecer, recayó sólo en Spector y ninguno de los miembros de la banda tuvo mayor participación. El álbum, finalmente llamado "Let it Be", con material de 1969, fue editado el 8 de mayo de 1970 y se considera el último disco en la discografía oficial Beatle. La obra incluye, obviamente, la pared de sonido con orquestaciones melosas y sobrecargadas, y voces femeninas, arreglos que para nada estaban en la mente de ninguno de los cuatro músicos cuando pensaron un álbum "para volver a las fuentes rockeras". Sin embargo, la calidad (y las ventas) del disco se correspondieron con lo que podría esperarse de una obra de The Beatles.

El más enojado con el resultado fue Paul McCartney, que siempre estuvo reticente a trabajar con Spector, aún antes de entregarles las grabaciones. Pasó el tiempo, y 33 años después y con dos de los miembros originales de la banda ya fallecidos, McCartney vuelve a editar el álbum. La reedición se publicó con el nombre de “Let it be... Naked”, pretendiendo reflejar la desnudez y la pureza del proyecto original, libre ya de la (sobre)producción de Spector. Puede apreciarse en el disco que se han borrado las frases que había entre los temas, y no aparecen dos canciones, "Dig it" y "Maggi Mae". Se ha sumado un tema, "Don´t le me Down", que originalmente apareció en el lado B del simple "Get Back" y en la mítica recopilación "Beatles 1966-1970," más conocida como "Álbum Azul". Finalmente, se alteró el orden original de las canciones. Sin embargo, el objetivo más logrado fue el principal: mostrar a la posteridad como eran las canciones como los Beatles querían. O como Paul quería. O como el cree ahora que entonces quería.

Tres ingenieros trabajaron arduamente durante un año y medio eliminando digitalmente orquestaciones, coros, efectos y diálogos, en un intento de "mejorar" la obra acercándola a su idea original. Los cambios más notorios se observan en canciones como la balada de McCartney "The long and winding road", que suena más bella despojada de la "pared" de Spector. En "Let it be" no aparece el doblaje a la guitarra de Harrison, por lo que hay más espacio para escuchar el piano de Paul y la percusión de Ringo. Las voces en "Get back" y "Across the universe" suenan diferentes, mejores a las versiones originales. El inicio y la mezcla de "Don’t let me down" también son distintos. En suma, un muy buen "nuevo" disco de The Beatles. Se incluye un segundo CD con una pista llamada "Fly on the wall", "mosca en la pared", debido a que contiene diálogos breves, ensayos de canciones, discusiones, planes para el futuro y cosas que los Beatles hicieron durante el mes de enero de 1969 en la grabación del álbum original.

Ambas versiones de "Let it Be" pueden ser bajadas desde aquí gracias al blog P&P.

El hombre vegetal

Hacia fines de 1967 Los Floyd estaban preocupados grabando lo que sería su segundo álbum "A Saucerful of Secrets" en los míticos Abbey Road Studios. Su líder y creador Syd Barret destilaba lo que serían sus últimas gotas de talento. Uno de los temas que la banda tenía en reserva, en algún momento pensado para ser editado como disco simple, era "Vegetable Man", el "Hombre Vegetal" del propio Syd. Extrañamente, el tema nunca fue editado por PF, ni como simple, ni en un álbum y ni siquiera en una de las tantas recopilaciones que salieron. En el tema Barret se describe como se sentía en esa época: "Soy un vegetal humano" o "He estado buscando por todas partes un lugar para mí, pero no cualquiera, simplemente no es cualquier lugar" lo que anticipa su alejamiento (forzado) de la banda poco tiempo después. Lo cuenta Nick Mason en su libro "Inside Out: A Personal History of Pink Floyd" (editado en castellano como "Dentro de Pink Floyd. El largo y extraño viaje hacia el éxito de un grupo mítico"): "Las cosas llegaron a su fin en febrero, el día que debíamos tocar en un concierto en Southampton. En el coche, de camino para ir a buscar a Syd, alguien dijo '¿Recogemos a Syd?', y la respuesta fue 'No, joder, no vale la pena'.".

Quizá los tiempos de la banda, que iniciaba esa carrera hacia el éxito, no eran los mismos que los de Syd cada vez más enredado con la alienación y el deterioro mental. Como diría Roger Waters tiempo después: "Y si la banda en la que estás comienza a tocar melodías diferentes, te veré en el Lado Oscuro de la Luna" (PF, Brain Damage, 1973).

Vaya un recuerdo para este hombre vegetal.
Puede escuchar el tema desde acá.

Viejos conocidos

Premiata Forneria Marconi - Stati Di Immaginazione (2006)

Premiata Forneria Marconi (PFM) es una banda de rock progresivo, vertiente sinfónica con toques folk, y la banda más prominente del interesante rock progresivo italiano. Comenzaron su carrera en Italia y hacia 1973 se mudaron a Inglaterra de la mano de Emerson, Lake and Palmer (en especial de la de Greg Lake). Obtuvieron altos niveles de popularidad con exacta combinación de rock progresivo sinfónico y aires clásicos.

Desde 1980 sus discos aparecieron de formas más espaciada, y luego de un interregno entre 1987 y 1997 retoman su obra, cuyo último movimiento es el álbum que hoy nos ocupa: Stati Di Immaginazione, decimocuarto disco de estudio editado en el año 2006. En este último período de la banda podemos encontrar parte de lo mejor de su material, luego de diversos altibajos en su producción anterior.

PFM en su versión 2007 se ha reducido a un trío, con dos de los miembros originales de la banda (Franco Mussida y Franz Di Cioccio) y otro con un larga historia en el grupo (Patrick Djivas). Cuenta además con el agregado de dos músico invitados, uno de ellos (Lucio Fabbri) ex-miembro de la banda y otro (Gianluca Tagliavini) que con solvencia reemplaza al tecladista original de la banda, el excelente Flavio Premolí.

El disco fue grabado de una sola toma (sin sobregrabaciones) en el estudio y cuenta con ocho temas instrumentales (el primero en la historia de la banda totalmente instrumental), bellas melodías junto a momentos más rockeados e incluso fragmentos más jazzísticos, todos interpretados con la calidad que los diferentes miembros de PFM a lo largo de su extensa historia han mantenido admirablemente. El sonido mantiene claras reminiscencias de los comienzos de la banda, allá por lo setenta. "Il sogno di Leonardo" resulta, a mi entender, el momento más logrado, si bien todo el disco resulta de excelente factura.

El álbum fue editado en CD y en un DVD, en un proyecto multimedia donde cada tema es interpretado como cortos de cine, con imágenes que narran la historia de personajes, grupos humanos y etnias alrededor del mundo.

Stati Di Immaginazione fue muy bien recibido por la crítica y por el público, y resultó el mejor disco progresivo del año 2006 de acuerdo a la votación realizada por el blog Sonidos de verdad y el tercer disco del año según el sitio especializado ProgArchives.

En resumen, un excelente disco de un grupo que demuestra que una banda puede seguir haciendo discos brillantes aún 40 años después su formación (para que tomen nota unos cuantos que andan dando vuelta por allí).

Lista de temas:
1. La terra dell’acqua
2. Il mondo in testa
3. La conquista
4. Il sogno di Leonardo
5. Cyber Alpha
6. Agua Azul
7. Nederland 1903
8. Visioni di Archimede

La banda:
Franz Di Cioccio - batería, percusión
Patrick Djivas - bajo, bajo sin trastes, flauta
Franco Mussida - guitarras eléctrica, clásica y acústica

Los invitados:
Lucio Fabbri - violín, teclados
Gianluca Tagliavini - teclados, órgano Hammond, sintetizador Moog

El disco puede bajarse desde aquí, gracias al blog Sonidos de verdad.
(passwd: http://sonidosdeverdad.blogspot.com)

PFM ejecutando Ciber Alpha en el Gioia dell Colle, 28/12/2007

Un tema (Fearless, por PF)

La época "pre-Dark Side" de Pink Floyd no es muy conocida por el común de la gente. Por momentos, en ella podemos encontrar, en germen, la calidad sonora que explotaría en "Dark Side...", "Wish you..." y demás. El disco que más anticipa lo que será la banda poco tiempo después es seguramente Meddle de 1971, en particular la extensa suite espacial "Echoes" ("épico poema sonoro", como lo describió Waters por aquellos tiempos), que ocupaba todo el lado B del LP original en vinilo. El tema, al que tal vez le dediquemos un espacio en el futuro, fue un clásico de los conciertos de PF y la banda solía tocarlo como tema extra luego de interpretar "The Dark Side..." durante las giras de 1972 en adelante.

Pero este espacio queremos dedicarlo a otro tema de ese álbum: "Fearless", con letra de Roger Waters y música de David Guilmour, evocadora y bella melodía que extrañamente la banda nunca interpretó en vivo.

El tema trata sobre la importancia de ir por nuestros objetivos, aún en contra de las adversidades, y la de proponernos controlar nuestro destino, aunque se nos tilde de idiotas. La frase "Sin temor, el idiota se enfrentó a la multitud" (Fearlessly the idiot faced the crowd) apela evidentemente a los padecimientos de Syd Barret. Durante las sesiones de Meddle, Waters inspirado compuso otra canción sobre el mismo tema, con alusiones más directas a Syd, a la que llamó "The Dark Side of the Moon". La canción no formaría parte del álbum que se estaba grabando sino que formaría parte de otro proyecto que Waters estaba empezando a imaginar, ya con el nombre de "Brain Demage" (recordar que para esa época Roger y David aún intentaban reflotar la carrera solista de Syd que se hundía, como él, en un pozo de sin razón), cuya temática resulta similar a la de "Fearless", con el "nos veremos en el lado oscuro de la Luna".

"Fearless" incluye un fragmento de "You'll never walk alone", del musical "Carrusel" de Rogers y Hamerstein II (dúo de compositores de películas musicales tales como "El Rey y Yo", "La Cenicienta" y "La Novicia Rebelde"), himno del club de fútbol Liverpool. Hacia el final del tema se escucha a la hinchada entonando su himno en el estadio. Del tema se escuchan las frases "And you'll never walk / alone / in the dark / alone" ("nunca caminarás solo, en la oscuridad, solo"), que notoriamente alude a la realidad de Barret en 1971 y al esfuerzo, infructuoso, de sus amigos por mantenerlo a flote.

El disco fue lanzado el 13 de Noviembre de 1971 y sería un éxito ( 3° en Inglaterra, 70° en Estados Unido) y dos años más tardes aún estaría en las listas de discos más vendidos en Inglaterra.

Escuhe Fearless:

Fearless

You say the hill's too steep to climb, climbing
You say you'd like to see me try, climbing
You pick the place and I'll choose the time
And I'll climb the hill in my own way
Just wait a while for the right day
And as I rise above the tree-line and the clouds
I look down hearing the sound
of the things you've said today

Fearlessly the idiot faced the crowd, smiling
Merciless the magistrate turns around, frowning
And who's the fool who wears the crown
No doubt in your own way
And every day is the right day
And as you rise above the fear-lines in his brow
You look down hear the sound of the faces in the crowd


Sin temor

Dices que la colina es muy empinada para escalar, escálala
Dices que te gustaría verme intentándolo, escalando.
Tu eliges el lugar y yo elegiré la hora
Y escalaré esa colina a mi manera
Sólo espera un momento por el día correcto
Y como me levante sobre las líneas de los árboles y las nubes
Miro abajo, escuchando el sonido
de las cosas que dijiste hoy

Sin temor, el idiota se enfrentó a la multitud, sonriendo
Sin piedad, el magistrado se volvió, frunciendo el ceño
¿Y quién es el tonto que usa la corona?
Y baja, en tu propia manera
Y cada día es el día correcto
Y como te levantas sobre las líneas del miedo en su ceja
Miras abajo, escuchando el sonido de las caras en la multitud.

Versiones de "Dark Side of the Moon"

(seguramente esta entrada se irá enriqueciendo con nuevas versiones que vaya encontrando por allí)

Todo lo que representa el álbum "The Dark Side of the Moon" (Pink Floyd, 1973) o "Dark Side of the Moon", como se llamó en la edición en CD de 1993, no necesita ser aclarado en este espacio. A cerca de cumplir 34 años, la obra sigue siendo un ícono no sólo del rock sino de toda la cultura del último cuarto del siglo XX. Aspectos medulares de la sociedad del momento (y también de la actual) se reflejan en el disco: la alienación, la urgencia del tiempo, la soledad y más...

Pero aquí sólo queremos reflejar el impacto del álbum, tanto en la carrera de PF como en la de otros artistas que han realizado versiones integras del disco, algo que no ha pasado con obras de otros autores. Extrañamente, la primera de esas versiones apareció antes de editarse el disco: mientras la banda lo presentaba en vivo, durante 1972, apareció un disco pirata que muchos llegaron a confundir con un disco oficial de PF y que llegó a vender cerca de 100.000 copias. Conocida la pulcritud con que los Floyd editaban sus discos (que para entonces tenían una frecuencia de dos años, prácticamente el doble que lo habitual para grupos de rock) , resulta evidente el desagrado que tal lanzamiento causó en la banda.

Versiones de Pink Floyd

- Original (1973)

¿Qué decir de esta obra que no se haya dicho? Editada 1973 (versión vinilo), remasterizada para la versión XX Aniversario en 1993 (esa es la que tengo en CD, cuya tapa vemos a la izquierda y puede compararse con la original del vinilo que aparece más arriba en esta entrada) donde el nombre se cambia a "Dark Side of the Moon" (sin el "The" al inicio), vuelta a editar en sonido 5.1 para el XXX aniversario en 2003. Si no conoce este disco se ha perdido uno de los pináculos de la cultura de finales del siglo XX. Acá lo puede conocer.



- Pulse (1995)


Disco en vivo oficial hecho por la banda post-Waters. Al igual que éste lo haría 12 años después, el PF Guilmour interpretaba en 1995 el álbum completo; años después saldría en DVD. Escuchelo pasando por aquí.






- En vivo en Wembley (1974)


El registro compartido corresponde al concierto del 17 de Noviembre de 1974 en Empire Pool, Wembley en Londres. El sonido proviene del soundboard, por lo que su calidad es excelente. Puede bajarse de aquí gracias al blog Watmourrett's Pink Floyd Site







- The Great Gig in Boblingen (1972)

Muy buen recital de Pink Floyd dado el 15 de noviembre de 1972, en El Sporthalle Boblingen de Alemania. El disco fue lanzado en un doble CD, y fue una presentación muy poderosa sobre lo que sería The Dark Side of the Moon (editado recién el año siguiente). El disco 1 incluye la versión integra de DSOTM y el disco dos temas anteriores (tomado del blog Zona Floyd).






- Radio BBC. Brian Damage (1974).

A raíz de una actuación de PF, presentando The Dark Side of the Moon en la Radio BBC, el 16 de noviembre de 1974, se graba este disco producido en Luxemburgo. Posee un sonido de muy buena calidad. Puede bajarse desde aquí, gracias al blog Zona Floyd.








- Roger Waters. Dark Side Of The Moon Live (2006/07)

Durante 2006 y 2007 Roger Waters realizó una gira mundial que incluso lo trajo por Sudamerica, y a Argentina en particular a mediados de marzo del 2007 (concierto que tuve la grandísima suerte de ver). En dicha gira Waters y su banda (algunos incluso ex-Floyd Guilmour) interpretaban íntegro DSOTM, tal como lo había hecho PF unos años antes. Por la red se consiguen varios de esos recitales, de los cuales dejamos aquí un par en calidad de muestra. Como dato anecdótico, el propio Nick Mason tocó en algunos de los recitales dados en EE.UU.


RW y Dark Side of the Moon en Argentina (en River, el 15 de marzo de 2007)
RW y Dark Side of the Moon en Chile

RW y Dark Side of the Moon en Manhattan (considerado uno de los mejores recitales de la gira. Grabado en el Madison Square Garden el 12 de septiembre del 2006)

Versiones de otras bandas

- Dream Theater (2005)

Una de las versiones más destacadas de DSOTM es la que ofreció durante su gira del 2005 la excelente banda de metal progresivo Dream Theater. Los músicos interpretan una aceitada versión donde demuestran ser eximios ejecutantes de sus instrumentos. Para la ocasión, la banda interpretó otros temas de PF. Puede evaluarse esta versión desde aquí y los otros temas desde aquí gracias al blog Stigma rest room.





- Dark Side of the Moon a Capella (2005)

Una de las versiones que más gratamente sorprende es "Dark Side of the Moon A Cappella", una versión solo con voces (sin ningún instrumento), realizada por ocho cantantes y un "percusionista vocal" (un noveno que con su voz se encarga de la percusión). Los intérpretes recrean maravillosamente la obra y por momentos uno olvida que son solo voces humanas. Una de las versiones más magistrales que se hayan hecho de DSOTM. Desde aquí pueden escucharse fragmentos de Time, The Great Gig..., Money y Eclipse. Y desde aquí puede bajarse el disco gracias al blog Stigma rest room.

- Return to the Dark Side of the Moon (2005).

Producido por Billy Sherwood (quien alguna vez tocara en Yes) se edita en 2005 este tributo que respeta fielmente la versión original. Lo más destacado de esta obra es el verdadero seleccionado de músicos que se dedican a interpretar las canciones de PF: los King Crimson Adrian Belew, Bill Bruford (quien toco en un par de lados mas, ¿no?), Tony Levin y Pat Mastelloto, los Yes Steve Howe, Tony Kaye, Alan White, Rick Wakeman y Peter Banks, los Asia John Wetton, Geoff Downes y Jay Schellen, y además Jeff Baxter (Steely Dan), Vinnie Colaiuta (Frank Zappa), Aynsley Dunbar (Frank Zappa), Larry Fast (Peter Gabriel), Gary Green (Gentle Giant), Robby Krieger (The Doors), Steve Lukather (Toto), Scott Page (Toto, PF en alguna ocasión), Steve Porcaro (Toto), Tommy Shaw (Sytx), Edgar Winter y Dweezil Zappa, entre otros. Si bien, como se dijo, la obra intenta mantenerse fiel a la original por momentos la impronta de los músicos se impone (piénsese, por ejemplo en la calidad de un Belew o de un Wakeman, por nombrar sólo a un par). Como dato totalmente anecdótico, al final se escucha un tema totalmente obviable del productor (¿cierto narcisismo descompensado lo habrá llevado a ponerse a la altura de Waters, Guilmour y compañía?). El disco puede encontrarse aquí gracias al blog Zona Floyd.

- The Moon Revisited (1995).

Con la misma idea que el tributo anterior (hasta aparece el mismo Billy Sherwood) pero realizado varios años antes y con músicos no tan conocidos (al menos por mi). Este disco es bastante conocido parece ser y puede ser bajado desde aquí, gracias al blog Stigma rest room.








- String Quartet. Tribute to Pink Floyd's The Dark Side of the Moon (2003).

Versión extraña realizada por este cuarteto de cuerdas. Así como en la versión a capella no hay instrumentos, aquí no hay voces... ni otros instrumentos que los del cuarteto. El disco puede bajarse desde aquí, gracias al blog Sus Rocks, o desde aquí, gracias al blog Stigma rest room.







- Easy Star All Stars. Dub Side of the Moon (2003).

Una de las versiones más extrañas y simpáticas es la que lanzó la compañía Easy Star que reunió a un seleccionado de sus mejores músicos y en el año del XXX aniversario de DSOTM editó un homenaje pero fiel a su estilo: ¡el reggae! Se nota que las mentes detrás de este proyecto conocían el álbum de PF de manera íntegra y profunda ya que los temas de "Dub Side..." contienen arreglos similares (hasta donde lo permite el cambio de estilo del rock progresivo al reggae), idéntica duración y los mismos sampleos entre tema y tema que resultan tan característicos de DSOTM. Igualmente hay lugar para algunas bromas como reemplazar los despertadores y campanas del inicio de Time por un gallo, o las máquinas tragamonedas de Money por sonidos de "encendedor, burbujas, tos, encendedor, burbujas, tos...". Desde aquí pueden escucharse Money, The Great Gig... y Us and Them y puede evaluarse el disco desde aquí gracias al blog Tuto's Blog. En suma, una edición interesante, aunque quizá deje a algunos fanáticos de PF mirando con cierta desconfianza.

- Mary Fahl - From the Dark Side of the Moon (2007)

Versión de esta cantante, compositora y actriz norteamericana, ambas (la versión y la cantante) totalmente desconocidas para mi hasta el momento (gracias al blog Rock Privado que paso el dato). Versión extraña no apegada a la original, con aires new age, y la prodigiosa voz contralto de la tal Fahl. La grabación finalizó en setiembre de 2006 para V2 Records. Según la autora, este álbum "re-imagina" el clásico disco de los PF. Fue producido por Mark Doyle y David Werner y puede ser bajado desde aquí.

En honor a George Harrison

Hoy, 25 de febrero, cumpliría 65 años George Harrison, el beatle místico según algunos, el beatle triste según otros.

Una vida llena de calamidades (hepatitis fulminante complicada por su condición de vegetariano, cáncer, su propio loco psicótico que lo acuchilló, recrudecimiento del cáncer que finalmente acabo con él) no pudieron aplacar su profunda espiritualidad. El misticismo y el compromiso de Harrison arrancan de su época con Los Beatles, cuando viajan a la India y conocen el movimiento Hare Krishna. Para sus compañeros fue poco más que una moda, para George algo que lo acompañaría toda la vida.

Su obra, opacada por los genios (en todo sentido) de Lennon y McCartney durante el período de los "fabulosos cuatro" explota arroladoramente cuando Los Beatles se separan en 1970, mientras Lennon se peleaba con la vida y McCartney se amigaba con su narcisismo. El primer éxito solista de George, My Sweet Lord también de 1970, sería una de las mayores páginas escritas por un beatle luego de la separación y un paso decisivo dentro de la carrera de Harrison en la música devocional, de profunda raíz religiosa. Hasta John Lennon, escéptico descreído por naturaleza, comento luego de escuchar este tema: "Estoy empezando a creer que seguramente hay un Dios".

Hay un hecho significativo en la vida de Harrison que según algunos biógrafos le depararía una profunda tristeza y una gran depresión que en parte lo acompañarían siempre: en 1960, a los 17 años, fue expulsado (por ser menor de edad) de Hamburgo donde los futuros Beatles tocaban todas las noches en bares nudistas. Nunca pudo liberarse del todo de la sensación de fracaso, de estar vencido y solo, que sintió hasta que regresaron sus compañeros unas semanas después.

Sin embargo, siempre tendría consigo a su profunda fe, la que quedaría reflejada en su obra y en su vida. Como el mismo dijo (a propósito del juicio por plagio de My sweet lord): "Creo que ha tenido efectos balsámicos en millones de personas. El hecho de que introdujera la espiritualidad en las listas de éxitos me compensa todos los celos, la avaricia, la maldad que despertó”.

Quizá no este del todo mal recordar a alguien que dejo un gran legado musical apoyado en la espiritualidad. Menos aún hoy día donde tal concepto parece no tener demasiado lugar. Quizá Harrison demostró que se puede vivir diferente en este "mundo material".

Feliz cumpleaños George, donde quieras que estés.

Siempre se vuelve a Los Beatles

Yellow Matter Custard (2005)

Miríadas de grupos que versionan y reversionan temas de The Beatles han existido y seguirán existiendo por siempre. Sin embargo, la mayoría de esos grupos (a grandes rasgos) siguen una línea similar: énfasis casi exclusivo en la época de la beatlemanía, los grandes éxitos y temas "McCartney" en general. Opuestamente, la época psicodélica y final del grupo, lados b y temas "Lennon" son menos versionados.

Pues bien, ha existido una brillante excepción: el proyecto Yellow Matter Custard (por la frase del tema "I'm the Walrus), banda tributo a The Beatles que reunió cuatro músicos de gran categoría, todos obviamente beatlemaníacos confesos (como debe ser):

Mike Portnoy (Batería, Dream Theater. ¿Este tipo no será adicto al trabajo? ¿En cuantos proyectos está metid0?)
Neal Morse (Teclados, Guitarra, ex-Spock's Beard)
Paul Gilbert (Primera Guitarra, Racer X, ex-Mr. Big)
Matt Bissonette (bajista de Joe Satriani, David Lee Roth, Julian Lennon, Don Henley y Peter Frampton entre otros. ¡Hasta usa el mismo bajo "violín" que Paul!).

Este beatle-super-grupo tuvo sólo dos presentaciones los días 17 (en Upper Montclair, New Jersey) y Mayo 18 de mayo de 2003 (en BB King's Blues Club, New York). De esta segunda presentación se grabó un CD doble y un DVD: One Night in New York City (editado en Mayo de 2005).

La filmación del concierto se efectuó con tan sólo 2 cámaras lo que le da al vídeo un aire de antigüedad y una onda similar a las de las filmaciones de los auténticos Beatles. Los músicos "fueron" Los Beatles (cantando Morse "es" Lennon) y así la frescura, las risas y hasta los errores en la interpretación de las letras estuvieron presentes. Hasta se deja oir el "I've got blisters on my fingers" ("tengo ampollas en los dedos") de Ringo de "Helter Skelter" (en este caso en "Everybody's Got Something To Hide Except For Me And My Monkey").

Mike Portnoy, eximio batero, que se caracteriza por tocar una batería de enormes dimensiones para esta ocasión utiliza una batería muy similar a la que usaba Ringo. Y la banda, al mejor estilo beatle (y algo raramente repetido por otros grupos), también arranca ciertos temas cantando, es decir primero las voces antes que cualquier instrumento (por ejemplo, en "You're Gonna Lose That Girl" o "Nowhere Man" o "Wait")

Los temas, como se dijo, responden a diferentes épocas y estilos. Así se pueden encontrar gemas tales como "A Day In The Life" (un tanto más complicada que hacer cualquier tema "yeah, yeah, yeah"), "While My Guitar Gently Weeps", "Dear Prudence" (Lennon auténtico), "I Am The Walrus" por supuesto (otro Lennon), el casi ignoto "You Know My Name (Look Up The Number)" (lado B de "Let it Be" en su momento), el no mucho mas conocido "Rain" (lado B de "Paperback Writer"), y hasta "Free As A Bird" el "nuevo" tema Beatle de los '90 cuando la Antología. En síntesis, son mas de 30 temas en brillantes interpretaciones.

Si a Ud. le gustan Los Beatles no puede dejar de escuchar esto. Y si no le gustan... ¿qué hace por acá?

Los CD pueden evaluarse bajándolos desde aquí, gracias a una gentileza del blog Radar: el espacio de Noel

Y algunos videos para despuntar el vicio:

A day in the Life




I'm the Walrus




While my Guitar Gently Weeps

Un tema (The Spirit Carries On, Dream Theater)

En 1999 Dream Theater edita su quinto álbum "Metropolis Parte 2: Scenes From a Memory". El disco marcaría el debut del tecladista Jordan Rudess, con una destacada participación. Esta obra, como es común a DT, tiene una extraña historia: en el álbum de 1992 "Images and Words" había un tema llamado "Metropolis Pt. 1: The Miracle And The Sleeper" y el "parte 1" habría sido como una broma ya que la banda no tenía planeada ninguna segunda parte. Apartentemente los reclamos de los aficionados llevaron a la segunda parte que continúa la historia original.

Como corresponde a una banda que recrea y reformula mucho del mejor rock progresivo de los '70, "Scenes From a Memory" es un álbum conceptual donde una única historia recorre todo el disco (piénse por ejemplo en "The Wall" o en "Dark Side of the Moon" o "The Lamb Lies on Brodway" entre tantísimas otras obras). Esta trata sobre la historia de un joven que descubre que su pasado se relaciona con el amor, asesinato e infidelidad de una tal Victoria Page. El personaje parece sufrir de algún trastorno psicológico y tiene un sueño recurrente y muy real que se repite todas las noches donde una chica, Victoria, es asesinada. Decide recurrir a un tratamiento psiquiátrico mediante hipnosis y tiene una regresión hasta el asesinato de Victoria sucedido en 1928 y descubre que esto está relacionado con su problema; sus recuerdos se van relacionando luego con el desarrollo de la trama de la obra.

En el tema, temazo, que nos ocupa, "Scene Eight: The Spirit Carries On", Nicholas, el protagonista, bajo hipnosis reflexiona sobre la muerte y muestra su convencimiento de que su alma continuará existiendo más allá de su vida y, por esta razón, ya no le teme ni le preocupa la muerte. Victoria aparece, en el presente, y le dice que se vaya y no sufra más, que ya le ha revelado la verdad pero que aun así nunca debe olvidarla. En este punto Nicholas se alegra de la paz que siente, ya que ha conseguido satisfacer tanto a Victoria como a su propia obsesión que lo había llevado al tratamiento. Nicholas se da cuenta de que la razón de que todo esto sucediese, la moraleja de su historia, es que la muerte no es el fin, solo una transición, como la transición de Victoria hacia él y como la que sucederá cuando el muera, hacia alguien mas. DT logra con este tema que al menos por un momento pensemos a la muerte de manera algo distinta.

En el año 2000 DT editó un DVD en vivo titulado "Metropolis: Scenes from New York" donde se puede ver la representación gráfica de toda la historia que describe el álbum como si fuesen fragmentos de una película que se entremezclan con las escenas de la banda tocando.

Cabe señalar como dato curioso que al final de la última canción del disco se escucha cierto ruido que es el mismo que suena al comienzo del álbum "Six Degrees of Inner Turbulence" (2002). Claves, señales, propias de la tradición DT.

En el CD/DVD "Score", del 2007 el tema tiene una bella y sentida introducción de Petrucci por lo que elegimos esta versión para ilustrar este comentario.

Escuche la versión original:



Y una excelente versión en vivo no se bien sacada de donde:



Música: Dream Theater
Letra: John Petrucci

The Spirits Carries On

[Nicholas]
Where did we come from?
Why are we here?
Where do we go when we die?
What lies beyond
And what lay before?
Is anything certain in life?

They say "Life is too short"
"The here and the now"
And "You`re only given one shot"
But could there be more
Have I lived before
Or could this be all that we`ve got?

If I die tomorrow
I`d be allright
Because I believe
That after we`re gone
The spirit carries on

I used to be frightened of dying
I used to think death was the end
But that was before
I`m not scared anymore
I know that my soul will transcend
I may never find all the answers
I may never understand why
I may never prove
What I know to be true
But I know that I still have to try

If I die tomorrow
I`d be allright
Because I believe
That after we`re gone
The spirit carries on

[Victoria]
"Move on, be brave
Don`t weep at my grave
Because I`m no longer here
But please never let
You memories of me disappear"

[Nicholas]
Safe in the light that surrounds me
Free of the fear and the pain
My questioning mind
Has help me to find
The meaning in my life again
Victoria`s real
I finally feel
At peace with the girl in my dreams
And now that I`m here
It`s perfectly clear
I found out what all of this means

If I die tomorrow
I`d be allright
Because I believe
That after we`re gone
The spirit carries on


El espíritu continúa

Nicolás:
¿De donde venimos?
¿Por qué estamos aquí?
¿Dónde vamos cuando morimos?
¿Qué hay más allá?
¿Y que es lo que hay antes?
¿Hay algo seguro en la vida?

Ellos dicen "La vida es demasiado corta"
"El aquí y el ahora"
Y "Sólo te han dado una oportunidad"
Pero puede haber más
¿He vivido antes
o esto podría ser todo lo que tenemos?

Si muriera mañana
Estaría bien
Porque creo
Que después de que nos hemos ido
El espíritu continúa

Solía tenerle miedo a la muerte
Pensaba que la muerte era el final
Pero eso era antes
Y ya no me asusto más
Porque se que mi alma trascenderá.
Quizás nunca encuentre todas las respuestas
Quizás nunca entienda el por qué
Quizás nunca pruebe que
Que lo que sé es verdad
Pero sé que todavía he de intentarlo.

Si muriera mañana
Estaría bien
Porque creo
Que después de que nos hemos ido
El espíritu continúa.

Victoria:
Continúa, sé valiente
No llores sobre mi tumba
Porque ya no estoy más aquí
Pero por favor no me olvides
No dejes que tus recuerdos de mi desaparezcan.

Nicolás:
Seguro en esta luz que me rodea
Libre del miedo y del dolor
Mi mente inquieta
Me ha ayudado a encontrar
El significado de mi vida otra vez
Victoria es real
Y finalmente me siento
en paz con la chica de mis sueños
Y ahora que estoy aquí
Esta perfectamente claro
Me di cuenta de todo lo que esto significa

Si muriera mañana
Estaría bien
Porque creo
Que después de que nos hemos ido
El espíritu continúa

Un tema (Octavarium, por Dream Theater)

El rock progresivo (por usar una etiqueta amplia) nació, creció y brilló desde fines de los 60' a mediados de los 70'. Luego dio algunos coletazos, si bien (en su amplísima mayoría) no estuvieron a las alturas de sus ilustres predecesores. Sin embargo por allá a mediados de los 80' algunos nuevos grupos retoman el impulso progresivo dando lugar a lo que se conoce como neoprogresivo (también dicho así... de manera amplia), representado por bandas tales como Marillon (en una onda mas "genesisiana" en sus comienzos) y Dream Theater (que combinó la música progresiva con el metal) entre tantos otros (en rigor, todas las definiciones pueden cuestionarse pero no es motivo de esta entrada clasificar a los grupos progresivos).

El rock progresivo clásico tenía sus "sellos de origen": temas largos, uso de orquestas (en su vertiente más sinfónica), ritmos cambiantes, super instrumentistas y otras. Pues bien, quisiéramos recomendar acá un tema relativamente nuevo (del año 2005) que muestra de manera innegable las huellas genéticas de aquellos temas de comienzo de los 70': Octavarium (del álbum del mismo nombre), de Dream Theater.

Dream Theater nace en 1985 y puede ser definida como banda de metal progresivo. Posiblemente sea el grupo progresivo que mayor éxito haya alcanzado luego de la edad dorada del movimiento. Octavarium es su octavo disco y cuenta con ocho temas, siendo el que nos ocupa (el que da nombre al álbum) el octavo. Fue lanzado en junio de 2005 conmemorando el vigésimo aniversario de la banda.

Esta canción invariantemente nos retrotrae a los dorados 70': su introducción tiene reminiscencias de la de "Shine you on, Crazy Diamond", sus diferentes partes me recuerdan a "Supper's ready", la orquesta nos lleva a los tiempos de "grupo y orquesta", se dejan oír por ahí acordes a lo Pink Floyd, a lo Génesis (con Gabriel y Hacket, por supuesto), a lo ELP y a lo Yes. ¡Si hasta se escucha un Polymoog (creo, pero que el teclado se trata de un reliquia de los 70 estoy seguro) al mejor estilo Wakeman! La banda suena maravillosamente y cada uno de los músicos demuestra ser un excelso ejecutante de su instrumento.

Como corresponde al rock progresivo progresivo las claves no aparecen sólo en la música sino también en la letra (curiosamente compuesta por diferentes integrantes de la banda) y en la tapa del álbum. La letra juega con la vuelta al principio, algo así como un eterno retorno ("Inclinándose hacia afuera, arrastrándose hacia arriba, tropezándose con todo, perdiendo mi sitio sólo para encontrar que he llegado al ciclo completo" o "Una esfera perfecta chocándose con nuestro destino. Esta historia acaba donde comenzó"); en la música luego del último acorde se oye el comienzo del primer tema del disco ("The Root of All Evil"). La canción tiene cinco partes junto a tres secciones instrumentales. Su duración (muy poco FM) es de 24' (o sea, 3 ciclos de 8' o la duración de un día en horas, lo que refuerza la idea de ciclo que se continúa). En la letra también se pueden encontrar conjuntos de palabras como "Day Tripper", " Supper’s Ready", "Lucy in the sky with diamond", "Cinema Show", "Show Me la Way", "Get Back", "Careful with that axe Eugene", "Hey hey, my my", "My Generation" y otras, más otras que seguramente se me escapan (dejo al lector recordar, reconocer o buscar o preguntar a que se refieren dichas palabras).

En el interior de la tapa podemos ver una araña (ocho patas) dentro de un laberinto cinco capas y ocho caras de manera que éstas están bloqueadas (por lo que la araña no puede escapar del laberinto). Más adelante se encuentra un pulpo (ocho tentáculos) con cinco peces y una señal de pare (de ocho lados) con el símbolo de la banda. También puede verse parte del teclado de un piano (una octava son ocho teclas blancas y cinco teclas negras).

Podríamos seguir mucho tiempo más con las referencias a Octavarium pero los interesados podrán encontrarlas en la red. Prefiero terminar con los videos tomados de Score, CD y DVD en vivo de la banda de la gira de su vigésimo aniversario, y luego con la letra del tema.

A disfrutarlo. A mi leal saber y entender quizá el mejor tema de lo que va del siglo XXI sin nada que envidiarle a las joyas de tiempos idos.

Banda
James LaBrie – Voz
John Myung – Bajo
John Petrucci – Guitarras, Coros
Mike Portnoy – Batería, Coros
Jordan Rudess – Teclados, Continuum Fingerboard y Lap steel guitar


Octavarium – 24:00 (Dream Theater, LaBrie/Petrucci/Portnoy)

I. Someone Like Him (Letras de Petrucci)
II. Medicate (Awakening) (LaBrie)
III. Full Circle (Portnoy)
IV. Intervals (Portnoy)
V. Razor's Edge (Petrucci)